(Captura de teenagethunder.wordpress.com)

Nomi Malone: todo por un sueño

Una joven embutida en un pantalón vaquero de tiro alto y con una chaqueta de cuero con flecos hace autostop con dirección Las Vegas. La joven es Nomi Malone y así comienza la gran película de los 90s. Son unos pocos los elegidos que saben ver en “Showgirls” un maravilloso film de culto, y razones no faltan. En primer lugar está su protagonista, Elizabeth Berkley, la que apenas dos años atrás hacía de la empollona Jessie Spano y calentaba las mentes juveniles con sus ya voluptuosas curvas en “Salvados por la campana”. Por otro lado su antagonista, Crystal Connors, que tiene todo a lo que Nomi aspira y que es un personaje también con bastante contenido y mucha adicción. Acompañan esos bailes sin lógica, la luminosa y hortera Las Vegas, el escenario más kitsch del mundo, y esos diálogos sonrojantes cargados de carga emocional (“I’m not a whore, i’m a dancer!”). Maravillas de una película que tiene el récord histórico de Razzies, el anti-Oscar, con 13 nominaciones y 7 triunfos, incluyendo, cómo no, Peor película, Peor Actriz, y Peor director, pistas evidentes de que es una gran película, pero no del tipo mamarrachada de Gothika, que es mala por ser mala, sino un PELICULÓN.

A pesar de las pésimas críticas, en su época fue todo un récord de recaudación no se sabe si por que la gente pensaba que estaban ante la gran obra del año, o por si era la forma más fácil de ver porno en pantalla grande. Para Berkley, Showgirls fue un mazazo para su frágil carrera. Seguro que a la pobre la engañaron con cosas del tipo “es un concepto nuevo de cine”, “serás la estrella de un nuevo cine”, lo mismo que le pudo pasar a Neve Campbell con Scream pero a esta con éxito y sin tener que enseñar al completo su anatomía. La película contaba con una gran inversión y estaba destinada a ser un exitazo, tanto que a punto estuvieron de dar vida a Nomi Charlize Theron y Drew Barrimore, y Madonna y Angelina Jolie para Crystal. Todas deben estar ahora dando gracias al Señor cada día al levantarse por no haber aceptado el papel.

Nomi Malone is Goddess

Hay quien ha querido ver en “Showgirls” un remake no confeso de “Eva al desnudo”, y algo de lógica hay. Nomi Malone, hambrienta de éxito y triunfo no se lo piensa dos veces y lanza escaleras abajo a su mentora Crystal Connors, la protagonista del show Goddess, con el resultado de reemplazarla como protagonista al igual que Eva acabó con el papel de Margo. Nomi, que es una chica fina hasta para deshacerse de sus rivales, lo es también al vestir con unos estilismos que son acierto tras acierto, y haciendo gala de indiscutible buen gusto, se compra con su primer sueldecillo de bailarina de barra (dancer, never a whore) un Versace, que dará uno de los grandes momentos de la película cuando le piropean, y ella en plan ostentosa, fina y pavoneando el caché que no tiene, dice que lo compró en ‘VERSEIS’. El silencio incómodo de los presentes todavía dejan el diafragma doliendo.

Showgirls no es sólo la peor película de los 90s, es también una obra de culto. Una montaña rusa de situaciones cada cual más rocambolesca que nunca debe quedar en el cajón del olvido.

Quien no arriesga no gana. Esta máxima se cumple tanto en la vida como en el juego, y las tres películas de la saga de Ocean´s son un reflejo de este lema que muchas personas llevan a la práctica en sus vidas diarias como si estas fuesen juegos de azar.

Saga Ocean´s

El estreno en 2001 de Ocean´s Eleven dio el pistoletazo de salida a esta saga en la que once profesionales del crimen (en principio) se juntan para cometer el mayor atraco que la ciudad de Las Vegas ha visto nunca: asaltar las cajas fuertes de los casinos Bellagio, Mirage y MGM Grand, pertenecientes a Terry Benedict.

Destacar el gran reparto de actores, reuniendo a uno de los mejores planteles que nuestras pantallas han visto y verán en mucho tiempo, escogiendo a lo mejor del celuloide de nuestros días, como Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon, George Clooney o Al Pacino entre otros.

De todos su protagonistas, el que quiero destacar es Brad Pitt que antes de dar el gran golpe en Las Vegas se ganaba la vida con el poker, enseñando a jugar a estrellas juveniles de la televisión.

Esta relación entre Pitt y el poker es perfecta para presentar y enmarcar a su personaje dentro de ese universo creado especialmente en esta saga para el deleite de los amantes del cine de grandes y geniales atracos y como no, de todos aquellos que les gusten los casinos, juegos de azar y sobre todo el riesgo de una buena partida de poker.

Brad Pitt y el poker

Parece que a este actor le picó el gusanillo del poker cuando estaba rodando las películas de Ocean´s, hasta tal punto de que en 2012 estrenará Cogan´s Trade. En esta película interpretará a Jackie Cogan, un investigador profesional que tendrá que investigar un caso para el cual, será necesario que se adentre en el mundo del poker y las apuestas.

Deberá infiltrarse en el peligroso mundo del juego ilegal y para ello deberá prepararse a fondo, conocer todos los entresijos, aprender las reglas del poker y saber jugar bien todas sus cartas no solamente sobre la mesa, sino también en su vida, si no quiere perderla.

Una emocionante película de acción que llegará a nuestros cines en 2012 (aún no está confirmada la fecha de estreno) y que promete no defraudar a la audiencia. Cuentan las “malas lenguas” que Pitt no ha tenido que trabajar mucho para prepararse su papel en esta película.

Son muchos los que aseguran que es un fanático de este juego y que se le ha visto en varias ocasiones por Las Vegas entre rodaje y rodaje disfrutando de diferentes juegos de poker y alguna partida de blackjack.

Gracias a Blopies el pasado 19 de mayo tuve la oportunidad de asistir al preestreno de Hanna, superproducción europea que gira en torno a una pequeña niña entrenada por su padre para convertirse en el soldado perfecto y así poder llevar a cabo la venganza contra aquellos que han querido acabar con su vida. Una película que podremos ver en la gran pantalla desde mañana día 10 de junio.

No sé si recordáis una película llamada León el Profesional, en la cual Jean Reno entrenaba a una niña llamada Natalie Portman para convertirla en una asesina; pues Hanna es la visión siglo XXI de esta obra.

Frío violento

El reparto de Hanna está capitaneado por Saoirse Ronan, la actriz que da vida a la protagonista. Para hacer esta película, la joven interprete ha sido caracterizada como si Mila Jovovich tuviera 15 años en El Quinto Elemento y quisiera ser Yo Landi Visser, cantante del grupo Die Antwoord. Del resto de actores de la cinta destacan el padre de Hanna (Eric Bana) y Marissa (Kate Blanchet), la mala malísima de esta historia.

La película arranca de manera apabullante, en el frío invierno alemán dentro de un bosque completamente nevado y presentando a su protagonista de la mejor manera posible, matando. Las escenas de acción sirven captar al espectador adentrándolo en el mundo en que ha crecido Hanna. Una niña totalmente diferente al resto cuya educación se ha basado en convertirla en la asesina perfecta. hecho que implica una brusca maduración personal.

A todo esto se le añade una constante sensación de angustia a la que se ve sometida la protagonista. No obstante, son los mejores momentos de la cinta y vienen muy bien acompañados por el aporte musical realizado por el dúo británico The Chemical Brothers en la banda sonora de la obra.

Se trata de una película de acción,pero también utiliza recursos del thriller e incluso del drama cuando la protagonista va acercándose a su objetivo y poco a poco encaja las piezas de su puzle emocional, llegándose a cuestionar toda su vida.

Un largo viaje

Hanna es enviada por su padre a una misión para la que ha sido instruida durante toda su vida. Esto traslada el escenario de la película a tres países diferentes: Alemania, España y Marruecos. Como dato anecdótico mencionar, que los guionistas han empleado una serie de clichés culturales a modo de GPS para que el espectador no se pierda.

Estos clichés no fallan a la imagen que España tiene en el escenario internacional, pues veremos flamenco o incluso un toro de Osborne, un “guiño cómico” a nuestra cultura, cuando la película hace una parada en tierras cordobesas. Un viaje a lo largo y ancho del continente europeo que no sólo lleva a Hanna a cruzar fronteras físicas si no los recios pilares y convicciones emocionales en los ha sido educada.

Tras el inesperado éxito de la cuarta entrega, en la que se invirtieron 40 millones de dólares y recaudó la apetecible suma de 180 millones, era un secreto a voces el regreso de la saga de terror juvenil que llegará a nuestras pantallas (si no hay cambios) durante el próximo mes de agosto, aunque ya podemos disfrutar del trailer en español.

Premonición

Ese es el punto de partida de todas la entregas. En esta ocasión, Sam Lawton, interpretado por Nicolas D´Agosto (“Dirty Girl” o “Guerra de Cheerleaders”) se encuentra en un puente colgante junto a su novia Molly, interpretada por Emma Bell (“Walking dead”) donde experimenta la extraña visión del colapso y derrumbe del mismo, provocando sus muertes y la de muchos otros. Esta premonición permitirá “salvar sus vidas” y la de algunos de sus compañeros de trabajo.

Sinceramente, viendo las cuatro entregas anteriores, este tipo de visiones hacen un flaco favor tanto al que las tiene como a los que le hacen caso, puesto que a partir de ese momento, la dama de la guadaña les perseguirá para acabar lo que había empezado.

Creerme cuando os digo que a los protagonistas de esta quinta entrega les hubiera compensado morir en el puente, puesto que cuando se trata de rematar su trabajo, la muerte ha demostrado en cuatro ocasiones que odia echar horas extras.

Múltiples formas de morir

Si pensábamos que ya lo habíamos visto todo o casi todo en lo que a formas de morir en el cine se refiere, Steven Quale, director de esta quinta entrega nos vuelve a demostrar que estábamos muy equivocados. Parece que el cine americano ha encontrado en los últimos meses un filón en la continuación de sagas, sea cual sea el género, obtienen buenos resultados.

Este tipo de películas en mi opinión, son las típicas que mas que miedo, generan angustia por que te pasas todo el rato viendo la posible muerte de los protagonistas hasta en los detalles más tontos. No te equivocas, donde menos te lo esperes, un insignificante suceso desencadena toda una carrera de fatales coincidencias que desembocan en la muerte más horrible que te puedas imaginar.

Si has visto todas las películas de la saga y piensas que la muerte solo actúa en accidentes de avión, parques de atracciones o colisiones múltiples, deberías ver el trailer para que reflexiones sobre como pueden acabar una relajante sesión de acupuntura o una indolora operación óptica de cirugía láser.

En Bowling for Columbine, el documental sobre la matanza del instituto americano, Michael Moore cierra el proyecto con una entrevista al cantante Marilyn Manson en la cual dice que él nunca les hubiera dicho nada a los alumnos que llevaron a cabo los asesinatos, simplemente se hubiera sentado con ellos y les hubiera escuchado lo que tenían que decir.
Eso es exactamente lo que es 2:37 la Hora del Suicida, una película sobre un grupo de adolescentes que pasan los últimos meses en el instituto antes de ingresar en la universidad. Un ejercicio muy recomendable para todos aquellos que se enamoraron de la película Elephant de Gus Van Sant.

Época difícil

La cinta arranca cuando una de las alumnas del centro descubre sangre saliendo por debajo de la puerta de un cuarto de baño. El cadáver que se encuentra dentro es el punto de partida de una película que sirve para retratar la vida de unos niños que no saben que, a veces, jugar con los demás puede traer consecuencias difíciles de preveer.
Emociones como el apetito sexual, el sentimiento de inferioridad, la culpabilidad, la venganza o el odio quedan plasmados en la pantalla a través de las vidas de los diferentes protagonistas: un joven atleta atractivo, una anoréxica, un homosexual, un joven lisiado que sufre acoso, un maltratador y una maltratada.
El acierto de esta obra reside en la universalidad de su contenido. Todos hemos estudiado en un colegio o instituto en el que hemos asistido a situaciones como las que plantea la película y hemos conocido a compañeros con perfiles como los de los personajes de la cinta; cuando no hemos sido nosotros mismos los protagonistas de dichos perfiles.

Independencia personal

El trabajo de Murali K. Thalluri al frente del proyecto destaca por la utilización del plano secuencia en prácticamente la totalidad de escenas de la película. Acompañando a este recurso, el director dispuso de planos fijos en blanco y negro que utilizó como si de un documental se tratara para realizar entrevistas a los actores de la cinta.
El correcto equilibrio ente el uso del color y el blanco y negro sirve para diferenciar los distintos tiempos narrativos de la obra. En referencia a esto último, el director consideró interesante el estructurar la película sin seguir un ritmo lineal, sino que algunas escenas se solapan con otras que vendrán después, dando un resultado muy interesante a este gran ejercicio de cine independiente.

Tras ver películas como de la que vamos a hablaros es imposible no sentir cierta culpabilidad. No por el protagonista de la cinta, sino por uno mismo. Ejemplos como el de La Escafandra y la Mariposa te hacen plantearte los límites de lo que se puede y lo que no se puede hacer.

Si alguna conclusión podemos extraer de esta obra es que los límites son los impedimentos que uno se pone a si mismo. Jean Dominique Bauby, el protagonista de la película, no tuvo límites, puedo hacer todo lo que quiso.

Lo que el ojo sí ve

La Escafandra y la Mariposa es la adaptación al cine de la novela autobiográfica de mismo título escrita por Jean Dominique Bauby. Para todo aquel que no lo sepa, Jean fue uno de los editores más importantes de la revista de moda Elle hasta que un accidente de tráfico provocado por una apoplejía en 1995 le dejó postrado en una cama sin poder mover un solo músculo. El principal medio de comunicación que tenía con el mundo exterior era su ojo izquierdo, el único órgano que podía articular por voluntad propia.
La extrema situación en la que Jean Dominique se encontraba le llevó a desarrollar el síndrome de Locked-In, el cual está caracterizado por la imposibilidad de expresar lo que se siente y vivir en un constante mundo interior.
Utilizando el pestañeo del ojo, los médicos y rehabilitadores que trataron a Jean desarrollaron un sistema a través del cual podían comunicarse con él. Gracias al perfeccionamiento de este método, Jean llegó a escribir el libro sobre el que se basa la película.

Relato subjetivo

El escalofríante resumen del argumento de la obra choca con la hermosura de la realización de la película llevada a cabo por su director, Julian Schnabel. La importancia de la voz en off resalta como herramienta fundamental para transmitir toda la amalgama de sentimientos que procesa Jean Dominique a lo largo de la cinta. La interpretación de Mathieu Amalric para dar vida al protagonista supuso un gran esfuerzo de introspección elegantemente retratado por la cámara, utilizando el plano subjetivo como recurso más importante dentro de esta historia.
La película sabe transmitir, a partes iguales, la angustia del que no puede decir lo que siente con la paz de saber que nadie puede oír lo que piensa. Un trabajo de dualidades que transporta al espectador por diferentes estancias de la psique humana.

Los apasionados del cine fantástico tuvieron que sentir un regocijo especial cuando se estrenó esta película en los cines de medio mundo.
El Imaginario del Doctor Parnassus brindó a muchos la oportunidad de embarcarse en un viaje psicodélico de casi dos horas en las cuales sobrevolaron los rincones más coloridos de la mente del director de la obra, Terry Gillian, y todo su equipo creativo.

Dos películas

La cinta cuenta la historia de un circo ambulante liderado por el Doctor Parnassus, el cual recorre las calles de Londres ofreciendo un show único. Todos aquellos que se atrevan a participar tendrán la posibilidad de iniciar un viaje hacia un mundo paralelo del cual no se sabe cómo saldrán.
Este espectáculo no es más que una excusa del Doctor para llevar a cabo apuestas con El Diablo, en las cuales se juegan la inmortalidad o la vida de otras personas.
No se si alguno de vosotros ha visto la película de Peter Jackson The Lovely Bones. En ella, se cuenta el secuestro de una niña por parte de un psicópata y, a la vez, el mundo en el que la joven se adentra a raíz del secuestro. La fórmula narrativa elegida en ambas películas es muy similar. No obstante, The Lovely Bones tiene un guión bastante más sólido que El Imaginario del Doctor Parnassus, lo cual obliga a esta última a utilizar mucho más los efectos especiales para reforzar el producto.
Simplificando, podemos decir que la protagonista de nuestra entrada se encuentra a medio camino entre The Lovely Bones y la versión de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton. El fino equilibrio entre la espectacularidad tecnológica y el sinsentido rotundo.

Una película de amigos

Al final del metraje podemos leer un título que reza: Una película de Heath Ledger y amigos; y esque esta es la última producción en la cual se embarcó el actor antes de su muerte. Debido a su fallecimiento en medio del rodaje de la película, se decidió reclutar a otros actores que hicieran el papel de Ledger en lo que quedaba por filmar. Los elegidos fueron Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell.
Afortunadamente, Heath Ledger siempre será recordado por su papel de El Joker en El Caballero Oscuro y no por El Imaginario del Doctor Parnassus. No sería un digno recuerdo para tan gran legado. Descanse en Paz

Advertencia: para poder disfrutar de esta película en todo su esplendor es de vital importancia que el espectador no haya visto ninguna entrega de la saga Scary Movie, ya que en una de ellas (la primera si mal no recuerdo) se parodia el final de la película de la que vamos a hablaros.
Sospechosos Habituales narra la historia de un grupo de criminales detenidos por el atraco a un camión de armas. Este robo es solo el inicio de un terrible acontecimiento: el asesinato de 27 hombres en un barco que aparece calcinado. Todos los atracadores del camión de armas han fallecido en dicho incendio, todos menos uno.

Interpretación perfecta

Esta espectacular historia dirigida por Bryan Signer es una de las grandes joyas de la filmografía de los años 90. Afincada a medio camino entre el cine gangster de los Coen y su Muerte entre las flores y el thriller de verdades camufladas de Las dos caras de la verdad, esta película es un ejercicio de guión apabullante diseñado para envolver al espectador en la historia desde el primer momento.
Con un Kevin Spacey que roza la perfección interpretativa, la película va ganando enteros conforme avanza el metraje de la misma. El resto del reparto que constituye la cinta(Gabriel Byrne, Benicio del Toro, Stephen Baldwin…) no desentona ante tan tremenda actuación, consiguiendo un efecto coral que imposibilita la aparición de algún tipo de fisura.
Solo alguien que no estuviera en su sano juicio sería capaz de no reconocer la grandeza de una obra en la que es necesario poner todos los sentidos al servicio del espectáculo.

El gran hombre

Pocos son los nombres de la historia del cine que han conseguido crear más interés y misterio que el del protagonista de Sospechosos Habituales: Keyser Söze.
Una mezcla de Tony Soprano con Pablo Escobar y Omar Little, convierten al sanguinario personaje en un fantasma que deambula por toda la película sin saber muy bien quién es ni dónde se esconde.
Esa es la grandeza de esta cinta, hacer saber al espectador que no todo lo que se ve es estrictamente verdad, y que no por repetir mil veces una mentira esta deja de serlo. No diré nada más, pues no quiero empezar la entrada con una advertencia para acabarla con una revelación, pero solo alguien muy retorcido es capaz de ser Keyser Söze. En vuestras manos está averiguarlo.

Hace un par de entradas teorizaba vagamente sobre el principal motivo por el cual Pa Negre, la película dirigida por Agustí Villaronga, obtuvo la friolera de 9 premios en la última gala de los Goya.
A día de hoy creo estar casi seguro de cual fue el motivo: falta de competencia. Ninguna de las otras películas que competían con Pa Negre en las principales categorías, sobre todo en la de mejor película, se encontraban en disposición real de poder plantarle cara y arrebatarle el premio. Hoy vamos a hablar de una de esas películas, la que quizá sea la gran derrotada: Balada Triste de Trompeta.

Lección aburrida

La película del, por entonces, director de la Academia de Cine Álex de la Iglesia cuenta la historia de un circo ambulante en el periodo de la Guerra Civil. Javier (Carlos Areces) es un joven que quiere ser payaso para seguir el legado familiar tras la muerte de su padre a manos de los franquistas. En busca de trabajo, va a parar a un circo donde el que manda es Sergio (Antonio de la Torre), un payaso bebedor y con la mano suelta que se convierte en su compañero de espectáculo. Todo irá bien hasta que la bella Natalia (Carolina Bang), novia de Sergio, entre en escena para enamorar a Javier.
La película tiene dos partes claramente diferenciadas: una primera, que equivale a los 40 primeros minutos, donde consigue entretener al espectador; y una segunda, equivalente al resto de metraje, donde Balada Triste de Trompeta se convierte en un cúmulo de sinsentidos.
Ni la espectacular actuación de Antonio de la Torre salva a esta soporífera producción, en la que la violencia injustificada se presenta como necesaria y los personajes pierden todo su efecto debido a pobres giros de guión.

Señor Presidente

La verdad me da lástima ser tan duro con esta película, más si tenemos en cuenta la extraordinaria labor de Álex como presidente de la Academia, culminada con ese memorable discurso en la ceremonia de los Goya en el que dejó bien claro que Internet es el aquí y ahora, por mucho que a algunos les duela.
Lamentablemente, Balada Triste de Trompeta no será la película que convierta a Álex de la Iglesia en el punta de lanza de nuestro cine, pero sin duda servirá para recordar una etapa en la que dejó bien claro que son muchos los que prefieren mirar a otro lado mientras él pone los puntos sobre las ies.

Cuando hablamos de modas, ni algo tan puro y ecléctico como el cine está exento de sufrirlas. Parece que, desde hace algunos meses, asistimos al estreno asiduo de películas caracterizadas por el desdoblamiento en la pantalla entre la mente del personaje y su realidad. Películas como Shutter Island, Origen o de la que vamos a hablaros, Código Fuente, convierten la fantasía en vivencia y hacen que el espectador se involucre mucho más en lo que ve.

Mente participativa

La existencia de este tipo de películas no es algo de ahora. Dziga Vertov, uno de los exponentes del cine no narrativo, apelaba a la necesidad de convertir al espectador en parte activa de la obra mediante su participación en la misma. Despertar del letargo al que observa parecía misión imposible para él, pero ahora con los avances tecnológicos es más fácil.
Código Fuente cuenta la historia de un proyecto militar a través del cual el soldado Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) aparece en un tren en el que en ocho minutos estallará la primera de una serie de bombas que sembrarán el caos en la ciudad de Chicago. Durante ese tiempo, la misión de Colter es encontrar al terrorista antes de que el dispositivo explote y mate a todos los pasajeros. Si tras este minutaje no ha logrado su objetivo, el tren explotará y él volverá a la realidad matriz desde la cual se carga el código fuente para volver a intentarlo.

Producto de la patria

Los tecnicismos utilizados no son florituras empleadas para mostrar mis habilidades léxicas (quizá esto sí), sino que es la única manera de explicar el argumento sin simplificarlo demasiado. La cinta me recuerda en ocasiones a En el punto de mira, película que narra un atentado al presidente de Estados Unidos en la Plaza Mayor de Salamanca contado desde diferentes puntos de vista: el del presidente, el del terrorista, el del los agentes de seguridad… La gran diferencia es que donde esta película naufragó, Código Fuente se hace grande.
La figura de Duncan Jones como realizador (el creador de Moon e hijo de David Bowie), servirá para atraer la atención de todo el público indie que se verá decepcionado al descubrir que Código Fuente es una película de acción trepidante al más puro estilo americano (con final patriótico incluido). Una película que introduce al director en el circuito mainstream haciéndole, quizá, perder algo de su encanto independiente pero granjeándole una buena saca de dinero.