Una reflexión sobre la familia

Una visión sensible y real de la sociedad actual

Y es que esta producción sueca es una reflexión sobre los diferentes tipos de familias que existen a día de hoy, los diferentes tipos de relaciones que se producen entre padres, hijos, parejas, matrimonios etc. Lo difícil que resulta para la gente dar y recibir cariño y lo egoístas que podemos llegar a ser cuando el concepto del amor incondicional no llega a comprenderse al 100%. En Mamut se trata un tema complicado, la manera en la que todos y cada uno de nosotros estamos interconectados con el resto de una manera o de otra, nos guste más o menos. Una película que hurga en el sentimentalismo pero sin hacerlo ñoño y planteándolo desde un punto de vista contemporáneo y real. Pero no solo se habla de las relaciones, sino de cómo por diferentes causas éstas sufren modificaciones, como por ejemplo la forma en la que la economía es capaz de modificar una familia, dejándola atrás para poder sacarla hacia delante. Protagonizada por Gael García Bernal y Michelle Williams, esta obra maestra está dirigida por Lukas Moodysoon, capaz de usar un lenguaje cinematográfico comprensible por todos. Su estreno, el 4 de junio. ¿El tiempo que estará en cartelera? Seguramente poco así que si no te la quieres perder, vete dando prisa.

Sinopsis

Leo, es el “ideólogo” de una web con un éxito más que notable, gracias a esto ha descubierto el mundo del dinero y de las decisiones importantes. Ellen es cirujana y trabaja en las urgencias de un hospital, dedicada absolutamente a su profesión. Son pareja y tienen una hija de ocho años, Jackie, que como sucede de manera habitual en muchas familias, el mayor tiempo lo pasa con su niñera filipina Gloria. Poco a poco Ellen comienza a cuestionarse sus prioridades. Leo ha de viajar a Tailandia lo que provocará una serie de consecuencias dramáticas para toda la familia.

La última casa de la izquierda: el argumento

La trama empieza cuando Mari y Paige, dos amigas adolecentes piden el coche para salir a pasear por Collingwood, un pueblo al que han ido de vacaciones. Cuando conocen a un chico llamado Justin piensan que han hecho un nuevo amigo, pero pronto se dan cuenta que se han metido en su peor pesadilla. Krug, el padre de Justin, junto a su novia demente y su sádico hermano secuestran a las chicas.

Mari intenta escapar y empieza a bucear en el río, pero sus captores se dan cuenta y le disparan. Le aciertan y la dejan que se ahogue. Se hace tarde y los malhechores se refugian justamente en la casa de Mari, donde son acogidos por los padres de la muchacha, completamente ignorantes de lo que le pasó a su hija.

Después de un rato, Mari regresa a su casa por sus propios medios y cuenta a sus padres lo sucedido. Aquí empieza la película y veremos cómo una familia, herida en lo más profundo, es capaz de hacer para vengar a su hija. John y Emma, los padres de Mari, desatarán toda su furia contra Krug y compañía. Queda para la anécdota de que el malo de la cinta se llame Krug, como si fuera en diminutivo de Kruger, el famoso personaje que creó Craven hace muchos años.

Detalles técnicos

Como productores junto a Craven figuran Sean Cunninggam y Marianne Maddalena. La distribución está a cargo de la multinacional Universal. Cabe señalar que “La última casa de la izquierda” es un remake de una cinta de 1972 dirigida por el mismo Wes Craven y que se actualizó bajo la dirección de Dennis Iliadis con mucha más violencia, pero manteniendo el argumento principal.

Foto extraída de la página Cinema 100 en Facebook

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Después de conocer las películas seleccionadas para la sección oficial del próximo Festival de Cannes, que se celebrará el próximo mes de mayo, entre los días 12 y 23; este fin de semana hemos podido disfrutar en nuestro país del Festival de Málaga.

El festival, que se lleva celebrando desde 1998, tiene como principal objetivo la promoción y difusión del cine español, y por eso podemos ver en él tanto títulos nuevos como entregas de premios a películas ya estrenadas.

Día 1

Este año el ciclo comenzó con ponencias pasadas por agua, y la presentación de la primera película oficial de la sección de Largometrajes: Io, Don Giovanni, de Carlos Saura, centrada en la ópera homónima de Mozart. La película ha cumplido las expectativas, especialmente gracias al trabajo como director de fotografía de Storaro.

Ya por la tarde se pudieron visionar la película de Oriol Ferrer, La noche que murió Elvis (dentro de la sección Zonazine), rodada en catalán; y dentro de la sección de Documentales, Cómicos.

Día 2

El segundo día comienza fuerte. La cinta Que se mueran los feos es una de las más esperadas del Festival de este año, y así lo demuestran los miles de fans que se agolpan a las puertas del pase de prensa para ver a alguno de sus protagonistas, como Javier Cámara, Carmen Machi. La película se exhibió recibiendo una ovación y se sitúa ya en las primeras posiciones para recibir el Premio de la Crítica.

Planes para mañana es la segunda película del día candidata a la sección oficial de Largometrajes, cinta que sirve como ejemplo para quien habla de la gran presencia femenina de este festival, con una gran presencia en cuanto a actrices y a intérpretes musicales.

Y esto no ha acabado, ya que hasta el día 24 se proyectarán películas como Propios y Extraños y Bon Appétit en las secciones oficiales; además de pequeñas joyas en formas de cortometrajes, sin dejar de lado los documentales.

Premios

Los premios también forman parte del Festival de Málaga, por se una forma de reconocimiento y promoción a nuestro cine. Este año, Rosa María Sardá ha recibido el Premio Málaga Sur como reconocimiento a toda su carrera. El premio Ricardo Franco, que se concede en colaboración con la Acedemia de las Artes y Ciencias Cinematográficas este año al figurinista Javier Artiñano y el premio Eloy de la Iglesia recae este año en manos del joven cineasta Gonzalo López-Gallego.

Las películas seleccionadas

El presidente del Festival internacional del film, Gilles Jacob, y su director artístico, Thierry Fremaux, han anunciado el palmarés que optará a la Palma de Oro, entre las que no hay grandes riesgos, ya la mayoría han participado alguna vez en el Festival.

El país que más representación tiene es Francia, por la que compiten Tournée, de Matthieu Amalric, Des hommes et des dieux, de Xavier Beauvois, Hors-la-loi, de Rachid Bouchareb y La princesse de Montpensier, de Bertrand Tavernier.

De Japón podremos ver Outrage, de Takeshi Kitano, de Gran Bretaña Another Year, de Mike Leigh, de Irán Copie conforme, de Abbas Kiarostami, de Italia La nostra vita, de Daniele Luchetti, de Rusia Utomlyonnye solntsem 2, de Nikita Mikhalkov, de Tailandia Uncle Boonmee, de Apichatpong Weerasethakul

En cuanto a los nuevos directores que optan al premio, encontramos al ucraniano Sergei Loznitsa con You: My Joy, el chadiano Mahamat-Saleh Haroun con Un homme qui crie, los coreanos Im Sang-soo y Lee Chang-dong con The housemaid y Poetry respectivamente; y por último el estadounidense Doug Liman con Fair Game

El jurado

El jurado de este año cuenta con un Presidente de honor, Tim Burton; además del director español Víctor Erice, el actor puertorriqueño Benicio del Toro o la actriz italiana Giovanna Mezzogiorno.

En cuanto a la Cámara de Oro, que premia la mejor ópera prima del Festival, su presidente será el actor mejicano Gael García Bernal. En el jurado de la Cine-fundación y de cortometrajes el presidente es el director canadiense Atom Egoyan, junto con el catalán Marc Recha y el brasileño Carlos Diegues.

Hay que destacar, por otra parte, que otros grandes directores como Woody Allen, Oliver Stone y Stephen Frears también aparecerán en el Festival, aunque fuera de concuerso

Y es que las majors del gran complejo cinematográfico podrían estar planteándose para la venta de DVD’s en nuestro país, ya que consideran que la piratería ilegal puede estar acabando con miles de millones de sus ingresos.

La noticia en EEUU

La prensa americana se ha hecho eco de la noticia con un artículo publicado en el Los Angeles Times, titulado “En España, la piratería en Internet es parte de la cultura”, y poniéndolo a la altura de Picasso y los toros.

Para justificar esta posible decisión de las distribuidoras de DVD’s, dan cifras, como que a finales de 2003 se vendieron 12.000 copias, y a finales de 2008 esta cifra bajó hasta situarse en las 3000. Además, cifran que las descargas ilegales entre el mismo periodo pasaron de 132 millones a 350 millones, según la empresa GFK. En definitiva, para ellos, España es un mercado perdido.

Las consecuencias en España

Si esto ocurriese en la realidad, España se convertiría en el segundo país vetado por Hollywood, tras Corea del Sur en 2008. Pero también es importante el dato de que España sigue siendo el octavo mercado videográfico del mundo…¿sería, por lo tanto, viable abandonarlo? Como ya han comentado responsables de las áreas internacionales de Disney o Paramount en otras ocasiones, no, no lo sería.

Y es que una cosa está clara: si se descargan películas, es porque la gente tiene ganas de ver cine, y lo que las grandes empresas tienen que encontrar es la manera de ponérselo en casa. Y una de estas formas es aumentar la oferta de descargas legales.

Los nuevos modelos de negocio que mantendrán la industria a flote deben ir acorde con las nuevas tecnologías: estrenos simultáneos en salas y en streaming, contenidos de calidad, ampliar la oferta… son sólo alguno de los servicios que se ofrecen en otras partes del mundo, pero en España aún no. Y eso es algo que debe cambiar

En el cine no hay una regla de oro para que las películas triunfen, y En Tierra Hostil es un buen ejemplo de ello. Su directora, Kathryn Bigelow, inmersa en otro proyecto, no estaba muy convencida de dirigir esta película, y fue precisamente su ex marido James Cameron quien le convención para ello. No sabemos si se arrepiente ahora que esta pequeña producción ha dejado sin premio a su película más ambiciosa.

Superando obstáculos

La primera barrera ha sido repetida hasta la saciedad: Kathryn Bigelow es la primera mujer que consigue alzarse con el premio a la mejor dirección. Ya lo decía Barbra Streisand, encargada de entregar el Oscar: “ Por fin llegó el día”.

Y es que antes que ella sólo ha habido cuatro mujeres candidatas al Oscar a la mejor dirección, algo que en los 82 años de historia de los premios no parece mucho. Las afortunadas han sido Lina Wertmuller por Seven Beauties en 1976, Jane Campion por El piano en 1993, y Sophia Coppola por Lost in Translation en 2003.

Pero también hay que tener en cuenta los números. En Tierra Hostil ha sido el film ganador del Oscar a Mejor Película más barato, no llega a los 10 millones de euros, y también el que menos ha recaudado en taquilla, en todo el mundo se queda en la cifra de los 15 millones de euros. Si la comparamos con su principal competidora, Avatar, que costó casi 400 millones de euros y ha recaudado más de 2200 millones, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia, la cifra parece ridícula.

Por último, cabe destacar que En Tierra Hostil es la primera película bélica que gana el Oscar en esta categoría desde 1986, cuando se hizo con el galardón Platoon. Esto hace pensar que la Academia ha superado su miedo a premiar películas que hablen de temas tan controvertidos como la guerra de Irak.

El día a día de los artificieros

En Tierra Hostil trata de ponernos casi literalmente en la piel de una brigada de artificieros en Irak pasando por varios momentos de su vida diaria, y lo hace con actores prácticamente desconocidos.

Sus miedos, sus choques personales y cómo dependen únicamente de ellos mismos y sus compañeros es la forma que tiene Bigelow de contarnos esta realidad. Nadie es de fiar en un país extraño, cualquier cosa puede estallar en cualquier momento y una bala puede atravesarte sin saber de dónde ha venido.

Técnicamente introduce elementos que no estamos acostumbrados a ver en una película de género bélico. Rodada con un estilo de falso documental, los zoom nos acercan a la acción como un soldado más, y la utilización de la cámara lenta en las secuencias de acción eleva la tensión, para hacernos ver, que en el fondo, somos seres humanos (y el ser humano tiene un límite) en un escenario que no comprendemos del todo.

Con esta premisa parte Celda 211, la última película de Daniel Monzón. Ya ha triunfado en los Goya, con 8 cabezones en el bolsillo. Partía como favorita, pero de estas cosas no te puedes fiar, y menos si tienes a Amenábar detrás con una superproducción.

Sin embargo, esta vez las previsiones no fallaron, y Ágora se quedó con los premios técnicos, mientras que los principales galardones artísticos fueron a parar a manos del equipo de Celda.

Malamadre manda

Un thriller carcelario que no cae en los tópicos. Los policías son los malos y los reclusos te terminan cayendo simpáticos. Incluso la transformación de Juan, alias “Calzones”, te parece natural. ¿Cómo podía haber actuado de otra manera? Sin embargo, en ocasiones el espectador no llega a empatizar con él. Y quizá sea porque el papel de su novia embarazada es el previsible desencadenante de una historia donde todos se rinden a Malamadre.

Porque cada vez que Luis Tosar abre la boca, la película sube en calidad. La caracterización es magnífica, destacando por encima de todo la flexibilidad vocal que impregna al personaje. Es su seña de identidad y no se desprende ella en ningún momento. Tal y como dijo Tosar en la gala de los Goya, los actores lo hacen mejor cuando tienen grandes personajes; y Malamadre es grande, sin fisuras.

Personajes e historias secundarios

Lo secundario no es malo, y si no que se lo digan a esta película. Hablando de personajes nos encontramos con un Antonio Resines alejado de sus registros más habituales. Un policía violento y sin escrúpulos, metáfora de la corrupción del poder. Y Carlos Bardem, que nos sorprende con un papel de traficante colombiano, es paciente, espera su momento y aparece cuando tiene que hacerlo, aunque sabes que siempre está ahí. A pesar de estar los dos nominados a mejor actor de reparto, el galardón recayó en Raúl Arévalo por su papel en “Gordos”, una de las sorpresas de la noche.

Como historia, dejando de lado el motín, nos tenemos que fijar en la crítica política. Los presos de ETA se convierten en la gran preocupación de los gobernantes, por encima de la seguridad de cualquiera. Y todos lo saben, por eso se convierten en el elemento de negociación de los presos: saben que ellos no tienen valor, pero un preso de ETA son palabras mayores para los que mandan

Eso es ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’, una película del director Cristian Mungiu (Rumanía), ganadora en 2007 de la Palma de Oro en el Festival de Cannes; y de los premios a Mejor Película y Mejor Director de la Academia del Cine Europeo.

Detrás de la dictadura

En los últimos días del régimen de Ceaucescu en Rumania, Otilia y Gabita son dos jóvenes amigas, estudiantes que viven en un residencia y que traman algún tipo de plan, algo de lo que no se pueden enterar ni las personas más cercanas. Eso es todo lo que sabemos durante la primera media hora de película. Bueno, eso y que el miedo se refleja en los ojos de las protagonistas en todo momento.

Así, el espectador se mete en la historia pensando qué les pasará a estas dos jóvenes cuando la terrible (no tanto por la situación, sino por las circunstancias) verdad le golpea: Gabita está embarazada y ha contratado a un tipo para que le practique un aborto ilegal y que resulta ser un hipócrita que se aprovecha de las situaciones extremas de las mujeres.

El silencio como personaje

El tema del aborto, habitualmente tratado desde un punto de vista social, se nos cuenta en menos de 24 horas de una historia muy personal; a través de Otilia, la amiga, lo que hace al espectador aún más partícipe, casi con una silla propia en la habitación del hotel donde observar en silencio. Sí, en silencio.

Porque si los diálogos son escasos, es porque hay cosas que no se quieren decir y cosas que no se pueden. Lo que nos queda entonces son las acciones, esas que decía que el miedo nos empuja a hacer. Y es Anamaria Marinca en su papel de Otilia la que lleva el peso de esas acciones; que incluso sin el apoyo de la música consigue elevar la tensión hasta el punto de hacerla tuya.

La técnica de Mungiu

La cámara se convierte en el elemento más importante: no mira cuando no quiere ver, porque sabe que los fuera de campo dan más miedo que lo que la pantalla muestra; en los momentos de mayor tensión se queda quieta, estática, como sin saber que hacer, para mostrar cómo te puedes sentir sola aunque estés rodeada de gente; y se mueve en los momentos en los que Otilia necesita moverse, acompañándola para conseguir su objetivo.

A pesar de lo duro de la historia Mungiu no incluye una moralina que te haga salir del cine sintiéndote culpable. No se pronuncia ni a favor ni en contra de un tema que se muestra tan propicio para ello. Porque como ellas dicen de una forma tan sencilla como dura y resumiendo el espíritu de la película: mejor no volver a hablar de eso.

Por eso hoy queremos recordar a esa actriz de aspecto frágil y la fuerza de un elefante ante la cámara. Uno de sus clásicos: “Desayuno con diamantes”

La primera imagen y que se nos quedará grabada para los restos, es la de una mujer delgada y elegante vestida con un traje de Givenchy que baja de un taxi con un croissant y un café en la mano, para pararse frente al escaparate de Tiffany´s en Nueva York.

Búsqueda incesante de la felicidad

A partir de ese momento comenzamos a conocer la historia de Holly Golightly (que es el nombre de la mujer que interpreta Audrey Hepburn) una criatura desenfadada que se mueve radiantemente de fiesta en fiesta.

Sin embargo ese ritmo de vida será puesto en tela de juicio por su nuevo vecino, un atractivo escritor Paul Varjak (interpretado por George Peppard), de quien no podrá evitar acabar enamorándose.

Una comedia romántica que tiene su origen y adaptación en la popular novela de Truman Capote “Breakfast in Tiffany’s”, la cual se mueve alrededor de dos personajes inadaptados, cada uno a su manera y atrapados por el falso ambiente en el que se ven inmersos y que se produce en el interior de la Gran Manzana, descrito con tacto sofisticado, elegante y reflexivo por Blake Edwards en una de las que se considera como una de sus películas más memorables, especialmente en sus rasgos más sentimentales, agrandados por la excelente partitura de Henry Mancini y el impresionante tema que se convierte en uno más de los personajes “Moon River”, co-escrita por Mancini y Johnny Mercer.

Belleza y glamour

Lo más importante de esta película, además de su ácida crítica a la alta sociedad neoyorquina, es la representación de la figura de la “alegre” Holly, superficial y frívola pero a la vez amarga en su pertinaz búsqueda de la felicidad completa, irreprochablemente interpretada por Audrey Hepburn, quien fue vestida de inmejorable forma por la firma Givenchy.

En la película también aparece Mickey Rooney como el irascible vecino japonés al que la joven Holly consigue sacar de sus casillas en más de una ocasión. Un clásico del cine que habla de un tema que sigue siendo actual, pero que además muestra una belleza y un tratamiento como pocas.