En el cine no hay una regla de oro para que las películas triunfen, y En Tierra Hostil es un buen ejemplo de ello. Su directora, Kathryn Bigelow, inmersa en otro proyecto, no estaba muy convencida de dirigir esta película, y fue precisamente su ex marido James Cameron quien le convención para ello. No sabemos si se arrepiente ahora que esta pequeña producción ha dejado sin premio a su película más ambiciosa.

Superando obstáculos

La primera barrera ha sido repetida hasta la saciedad: Kathryn Bigelow es la primera mujer que consigue alzarse con el premio a la mejor dirección. Ya lo decía Barbra Streisand, encargada de entregar el Oscar: “ Por fin llegó el día”.

Y es que antes que ella sólo ha habido cuatro mujeres candidatas al Oscar a la mejor dirección, algo que en los 82 años de historia de los premios no parece mucho. Las afortunadas han sido Lina Wertmuller por Seven Beauties en 1976, Jane Campion por El piano en 1993, y Sophia Coppola por Lost in Translation en 2003.

Pero también hay que tener en cuenta los números. En Tierra Hostil ha sido el film ganador del Oscar a Mejor Película más barato, no llega a los 10 millones de euros, y también el que menos ha recaudado en taquilla, en todo el mundo se queda en la cifra de los 15 millones de euros. Si la comparamos con su principal competidora, Avatar, que costó casi 400 millones de euros y ha recaudado más de 2200 millones, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia, la cifra parece ridícula.

Por último, cabe destacar que En Tierra Hostil es la primera película bélica que gana el Oscar en esta categoría desde 1986, cuando se hizo con el galardón Platoon. Esto hace pensar que la Academia ha superado su miedo a premiar películas que hablen de temas tan controvertidos como la guerra de Irak.

El día a día de los artificieros

En Tierra Hostil trata de ponernos casi literalmente en la piel de una brigada de artificieros en Irak pasando por varios momentos de su vida diaria, y lo hace con actores prácticamente desconocidos.

Sus miedos, sus choques personales y cómo dependen únicamente de ellos mismos y sus compañeros es la forma que tiene Bigelow de contarnos esta realidad. Nadie es de fiar en un país extraño, cualquier cosa puede estallar en cualquier momento y una bala puede atravesarte sin saber de dónde ha venido.

Técnicamente introduce elementos que no estamos acostumbrados a ver en una película de género bélico. Rodada con un estilo de falso documental, los zoom nos acercan a la acción como un soldado más, y la utilización de la cámara lenta en las secuencias de acción eleva la tensión, para hacernos ver, que en el fondo, somos seres humanos (y el ser humano tiene un límite) en un escenario que no comprendemos del todo.

Con esta premisa parte Celda 211, la última película de Daniel Monzón. Ya ha triunfado en los Goya, con 8 cabezones en el bolsillo. Partía como favorita, pero de estas cosas no te puedes fiar, y menos si tienes a Amenábar detrás con una superproducción.

Sin embargo, esta vez las previsiones no fallaron, y Ágora se quedó con los premios técnicos, mientras que los principales galardones artísticos fueron a parar a manos del equipo de Celda.

Malamadre manda

Un thriller carcelario que no cae en los tópicos. Los policías son los malos y los reclusos te terminan cayendo simpáticos. Incluso la transformación de Juan, alias “Calzones”, te parece natural. ¿Cómo podía haber actuado de otra manera? Sin embargo, en ocasiones el espectador no llega a empatizar con él. Y quizá sea porque el papel de su novia embarazada es el previsible desencadenante de una historia donde todos se rinden a Malamadre.

Porque cada vez que Luis Tosar abre la boca, la película sube en calidad. La caracterización es magnífica, destacando por encima de todo la flexibilidad vocal que impregna al personaje. Es su seña de identidad y no se desprende ella en ningún momento. Tal y como dijo Tosar en la gala de los Goya, los actores lo hacen mejor cuando tienen grandes personajes; y Malamadre es grande, sin fisuras.

Personajes e historias secundarios

Lo secundario no es malo, y si no que se lo digan a esta película. Hablando de personajes nos encontramos con un Antonio Resines alejado de sus registros más habituales. Un policía violento y sin escrúpulos, metáfora de la corrupción del poder. Y Carlos Bardem, que nos sorprende con un papel de traficante colombiano, es paciente, espera su momento y aparece cuando tiene que hacerlo, aunque sabes que siempre está ahí. A pesar de estar los dos nominados a mejor actor de reparto, el galardón recayó en Raúl Arévalo por su papel en “Gordos”, una de las sorpresas de la noche.

Como historia, dejando de lado el motín, nos tenemos que fijar en la crítica política. Los presos de ETA se convierten en la gran preocupación de los gobernantes, por encima de la seguridad de cualquiera. Y todos lo saben, por eso se convierten en el elemento de negociación de los presos: saben que ellos no tienen valor, pero un preso de ETA son palabras mayores para los que mandan

Eso es ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’, una película del director Cristian Mungiu (Rumanía), ganadora en 2007 de la Palma de Oro en el Festival de Cannes; y de los premios a Mejor Película y Mejor Director de la Academia del Cine Europeo.

Detrás de la dictadura

En los últimos días del régimen de Ceaucescu en Rumania, Otilia y Gabita son dos jóvenes amigas, estudiantes que viven en un residencia y que traman algún tipo de plan, algo de lo que no se pueden enterar ni las personas más cercanas. Eso es todo lo que sabemos durante la primera media hora de película. Bueno, eso y que el miedo se refleja en los ojos de las protagonistas en todo momento.

Así, el espectador se mete en la historia pensando qué les pasará a estas dos jóvenes cuando la terrible (no tanto por la situación, sino por las circunstancias) verdad le golpea: Gabita está embarazada y ha contratado a un tipo para que le practique un aborto ilegal y que resulta ser un hipócrita que se aprovecha de las situaciones extremas de las mujeres.

El silencio como personaje

El tema del aborto, habitualmente tratado desde un punto de vista social, se nos cuenta en menos de 24 horas de una historia muy personal; a través de Otilia, la amiga, lo que hace al espectador aún más partícipe, casi con una silla propia en la habitación del hotel donde observar en silencio. Sí, en silencio.

Porque si los diálogos son escasos, es porque hay cosas que no se quieren decir y cosas que no se pueden. Lo que nos queda entonces son las acciones, esas que decía que el miedo nos empuja a hacer. Y es Anamaria Marinca en su papel de Otilia la que lleva el peso de esas acciones; que incluso sin el apoyo de la música consigue elevar la tensión hasta el punto de hacerla tuya.

La técnica de Mungiu

La cámara se convierte en el elemento más importante: no mira cuando no quiere ver, porque sabe que los fuera de campo dan más miedo que lo que la pantalla muestra; en los momentos de mayor tensión se queda quieta, estática, como sin saber que hacer, para mostrar cómo te puedes sentir sola aunque estés rodeada de gente; y se mueve en los momentos en los que Otilia necesita moverse, acompañándola para conseguir su objetivo.

A pesar de lo duro de la historia Mungiu no incluye una moralina que te haga salir del cine sintiéndote culpable. No se pronuncia ni a favor ni en contra de un tema que se muestra tan propicio para ello. Porque como ellas dicen de una forma tan sencilla como dura y resumiendo el espíritu de la película: mejor no volver a hablar de eso.

Por eso hoy queremos recordar a esa actriz de aspecto frágil y la fuerza de un elefante ante la cámara. Uno de sus clásicos: “Desayuno con diamantes”

La primera imagen y que se nos quedará grabada para los restos, es la de una mujer delgada y elegante vestida con un traje de Givenchy que baja de un taxi con un croissant y un café en la mano, para pararse frente al escaparate de Tiffany´s en Nueva York.

Búsqueda incesante de la felicidad

A partir de ese momento comenzamos a conocer la historia de Holly Golightly (que es el nombre de la mujer que interpreta Audrey Hepburn) una criatura desenfadada que se mueve radiantemente de fiesta en fiesta.

Sin embargo ese ritmo de vida será puesto en tela de juicio por su nuevo vecino, un atractivo escritor Paul Varjak (interpretado por George Peppard), de quien no podrá evitar acabar enamorándose.

Una comedia romántica que tiene su origen y adaptación en la popular novela de Truman Capote “Breakfast in Tiffany’s”, la cual se mueve alrededor de dos personajes inadaptados, cada uno a su manera y atrapados por el falso ambiente en el que se ven inmersos y que se produce en el interior de la Gran Manzana, descrito con tacto sofisticado, elegante y reflexivo por Blake Edwards en una de las que se considera como una de sus películas más memorables, especialmente en sus rasgos más sentimentales, agrandados por la excelente partitura de Henry Mancini y el impresionante tema que se convierte en uno más de los personajes “Moon River”, co-escrita por Mancini y Johnny Mercer.

Belleza y glamour

Lo más importante de esta película, además de su ácida crítica a la alta sociedad neoyorquina, es la representación de la figura de la “alegre” Holly, superficial y frívola pero a la vez amarga en su pertinaz búsqueda de la felicidad completa, irreprochablemente interpretada por Audrey Hepburn, quien fue vestida de inmejorable forma por la firma Givenchy.

En la película también aparece Mickey Rooney como el irascible vecino japonés al que la joven Holly consigue sacar de sus casillas en más de una ocasión. Un clásico del cine que habla de un tema que sigue siendo actual, pero que además muestra una belleza y un tratamiento como pocas.

Entre esas vergonzosas criaturas se encuentra uno de esos directores sin oficio pero con mucho beneficio llamado Roland Emmerich. El promotor de horrendas aventuras cinematográficas como 10000 b.c., El día de mañana o Indepence Day, ha vuelto a la carga con algo aún más patético si cabe, ‘2012′.

I Love Cine de Catástrofes

Como entusiasmado del cine de catástrofes, cualquiera de las bazofias-emmerich tiene imágenes que quitan el hipo, ya sea el Empire State Building reventando, los mamuts correteando o Nueva York inundada, pero debido al vacío que existe en el resto de áreas: guión, personajes, dirección de actores, calidad narrativa,…, al final, esas portentosas imágenes no compensan el mal trago.

Con esta nueva entrega cae en los mismo fallos que las anteriores, pero como es más ‘a lo grande’, pues se ven más. Los efectos son espectaculares, la carrera, primero en coche y luego en avioneta, de los protagonistas mientras escapan de una ciudad que explota por todos sus poros, es increíble. Qué ocurre después, pues más de lo mismo, y encima con un heroico presidente de los EEUU, y la explotación y el mantenimiento de estereotipos de la peor clase.

El concepto de mujer y de familia que maneja es hiriente por simplón, además la idea que tiene de héroe resulta tonta y trasnochada. El discurso final que hace despertar el corazoncito de todos los presentes provoca más vergüenza ajena que otra cosa.

Querer no es poder

Es evidente que la intención del director no es hacer la mejor película de la historia, sólo quiere que la gente se lo pase bien y punto, pero hasta para eso es necesario que se tenga cierto respeto por el lenguaje que se está empleando, en este caso el del cine, además de respeto hacia esa gente que irá a disfrutar del show, no tratarla de retrasada, y un poco de respeto hacia uno mismo.

Cuando quiso remover conciencias con El Día de Mañana, soltando un discurso sobre lo malos que somos con el planeta, lo único que consiguió o quiso conseguir fue justificar el argumento de su espectáculo. Cero intención social. Ahora la cuestión es averiguar si realmente tiene el propósito de hacerlo, o es que simplemente no quiere, pero decirlo vende, o es que no tiene la capacidad mental y artística para llevarlo a cabo.

Eso dependerá de los gustos del público, aquel que lo aprecie lo verá del primer modo, y aquel que lo aborrezca cederá a la segunda explicación. Sea lo que sea, Roland estará entre nosotros por mucho tiempo, así que tendremos nuevas oportunidades para ‘disfrutarlo’ y criticarlo. Hasta ese entonces descansad hacedores de apocalipsis

Con una factura cercana a la comedieta americana típica de Sandra, Drew o Julia, se desmarca intentando parecer alternativa gracias al juego del tiempo, a los encuentros desafortunados, a los chistes irreverentes y a las atrayentes caras de los protagonistas: la magnífica sonrisa de un muchacho que se parece demasiado a Heath Ledger y los imperturbables ojazos de una morena demasiado estirada.

Sam Mendes por todo lo alto

En breve, recibiremos otra comedia romántica, pero que aunque juega en la misma liga que en la anterior parece supurar cine de peso: carismático, simple y con olor a pura inocencia. Away we go o Un lugar donde quedarse es la nueva película del gran director Sam Mendes, director de American Beauty o Camino a la perdición, y que desde la experiencia de esas obras maestras nos describe una sencilla historia de amor consumado, mejor dicho una historia de alguienes que buscan su sitio.

Lo de sencillo es por común no por fácil de tratar. Este tema de la búsqueda de uno mismo, de su lugar en el mundo, ha sido evocado en miles de ocasiones a través de todos los géneros existentes con más o menos fortuna.

Con Away we go se perfila desde el lado más suave, tierno y consistente. Los actores prototípicos que rodean a la pareja protagonista rellenan a la perfección las esquinas de esa bonita relación en la que terminamos por colarnos.

Las atracciones del pasado y la pesada Vardalos

Después de esta vendrá Adventureland, en donde disfrutaremos de un verano maravilloso de 1987 de la mano del director de Supersalidos, Greg Mottola que se decide por contar una historia de amor entre dos patosos sociales que trabajan en un parque de atracciones.

La bella Kristen Stewart aún resiste el maremágnum de Crepúsculo marcándose un agradable papel alejado de su pequeño rol de estrella. Con una ambientación destacable y unos personajes entrañables, la historia funciona, se cuela en el ojo y pasas un buen rato.

Este año también se estrenó otra comedieta de esas que intentan parecer originales, diferentes en esencia, pero que caen en los mismos y tramposos agujeros del romance de pastel y flor.

Hablo de la nueva película de Nia Vardalos, después del bodrio de Mi vida en ruinas, nos trae un film escrito, dirigido e interpretado por ella misma: I hate Valentine’s day o lo que es lo mismo ‘Con el amor no hay quien pueda’.

Aunque consigue subir un poco el listón de calidad de su anterior aventura cinematográfica, la cosa flojea demasiado por el uso indiscriminado de tópicos y por caer en aquello en lo que reniega desde el principio. A pesar de eso, el código del buen amor que se dedica a predicar entre sus desquiciados amigos resulta curioso y hasta divertido.

Entre esta amalgama de fotogramas me quedo con varias cosas: el viaje de la bella pareja de Mendes, la sonrisa del muchacho estacional, la belleza ochentera de la Stewart y la teoría de Vardalos de las cinco citas para ser feliz por siempre jamás. Eso si, hay que tener cuidado con el exceso de azúcar.

Uno de ellos fue el Oso de Oro de Berlín en la categoría de Mejor película. También, el Oso de Plata a la mejor actriz para Fernanda Montenegro, quién interpreta en la película a Dora. En el En nuestro Festival de cine de San Sebastián se alzó con el Premio del Público. Premio de la juventud.

Dora y Josué dos personas destinadas a conocerse

En los agobiantes pasillos repletos de gente con prisa de la Estación Central de Brasil una antigua profesora, llamada Dora (Fernanda Montenegro), se gana la vida con un pequeño puesto en el que escribe cartas que le dictan las personas analfabetas.

Ella únicamente escribe lo que le dicen y cobra por mandarlas. Pero, en realidad, las cartas nunca llegan a su destino ya que Dora, endurecida por la soledad en la que vive no siente nada más que indiferencia ante sus clientes, quienes no saben que las acumula para quedarse con el dinero.

Pero un día todo cambia. Una mujer que le había pedido escribir una carta muere atropellada a la salida de la estación y Dora se le en la obligación de hacerse cargo de su hijo huérfano. Promete llevar a Josué (Vinicius de Oliveira) con su padre, que vive en una zona perdida en el nordeste del país, ya que es demasiado peligroso que el niño viaje solo.

Desde el primer momento Dora y Josué se odian, pero no tienen más remedio que permanecer juntos si quieren sobrevivir. A medida que el viaje avanza, se van adentrando en tierras desconocidas y los dos personajes van superando sus diferencias para acercarse el uno al otro, y a sí mismos.

Una crítica social

‘Estación Central de Brasil’ es un largometraje con un gran contenido de crítica social. Con ella, se pretende enseñar al mundo la pésima situación en la que se encuentran muchos menores en aquel gran país sudamericano y el subdesarrollo que sufre en muchos aspectos su sociedad.

Una película muy dura pero tierna a la vez, donde los dos protagonistas se sienten igual de perdidos en el mundo. Recomendamos desde aquí verla, ya que es una buena forma de conocer las injusticias que sufren en otros lugares del mundo. Todo un peliculón.

Los musicales siempre han llenado teatros en Estados Unidos; si la meca del cine es Hollywood, la de los escenarios de tablas de madera es Broadway, a donde también aspiran a llegar los que se dedican a la actuación. Un género tan clásico que fue dado de lado durante casi veinte años por las productoras hasta que despertó de su letargo para volver a hacer saltar las cajas de caudales de los cines.

Los dorados años 50

Los años 50 fueron la primera época dorada del musical en el cine. Personajes de la talla de Gene Kelly eran los actores más reconocidos, y sus películas se contaban por éxitos de taquilla. De esta época nos quedan clásicos, como “Leven Anclas”, en la que aparecía un joven Frank Sinatra y que por primera vez juntaba la animación con la imagen real en una película; “Bailando bajo la lluvia”, en la que el propio Kelly realizaba un baile mientras le caía un chaparrón y cantaba la conocida canción chapoteando por las aceras. O “Siete novias para siete hermanos”, una película coral donde bailaban hasta construyendo un granero.

También de esta época destaca “My fair lady”, la película basada en el mito del Pygmalion, en la que Audrey Hepburn conquistaba a medio mundo mientras su leyenda escribía sus primeras palabras. Ya en los 60, la gran historia de amor por antonomasia, “West Side History”, la batalla de barrio ente americanos y portorriqueños, y una habitual de las televisiones en vacaciones, “Sonrisas y lágrimas” con su “do es trato de varón…”.

Todo lo que baja, tiene que subir

Los setenta y los ochenta fueron menos prolíficos, o por lo menos no fueron creadores de películas para el recuerdo como las de años anteriores. Aún así, nos quedará siempre la gomina de Travolta bailando alrededor de Olivia Newton John en “Grease” o Liza Minelli maquillada y haciendo que la vida fuese un auténtico “Cabaret”.

La crisis que sufrió a partir de esos años se vio superada con el renacimiento del género. Para eso, tuvo que llegar un destello de color, movimiento, música y baile en la persona de “Moulin Rouge”. Era el año 2001 y Ewan McGregor y Nicole Kidman se enamoraban al ritmo de las versiones de las canciones más conocidas por el público en el París de finales del siglo XIX y principios del XX. Después del éxito, McGregor lo intentó con “Abajo con el amor”, pero no tuvo el mismo éxito haciendo pareja con Renée Zellweger.

La actriz estadounidense también venía de triunfar en uno de los musicales más aclamados de los últimos tiempos, “Chicago”, donde compartía cartel con Richard Gere y Catherine Zeta-Jones. La película fue todo un éxito y se llevó seis Oscars de la Academia, el de Mejor Película incluido.

Al contrario que para el resto de películas incluidas en el género musical, donde se escribe primero la trama y luego se insertan las canciones, en ‘Across the Universe’, se partió de 200 canciones compuestas por los Beatles, para después hacer una selección de 33 y, a partir de ellas, escribir el relato.

Un argumento original

Englobado en un contexto tan atractivo como es la sociedad norteamericana de los años 60, en la que el conservadurismo se reñía con nuevos ideales de libertad y solidaridad promovidos, sobre todo, por el grupo hippie, podemos encontrar la historia de amor entre Jude y Lucy.

Jude (Jim Sturgess) es un jóven inglés que trabaja en los astilleros de Liverpool, su ciudad natal. Un lugar gris y triste en el que no quiere permanecer ni un minuto más. Con la premisa de encontrar a su padre, un ex-soldado americano, cruza el charco con esperanzas de un nuevo mundo.

Allí conocerá a Max (Joe Anderson), un joven universitario que dedica todo su tiempo a vivir la vida junto a sus amigos, y todo el que se quiera unir. Max y Jude, harán muy buenas migas desde el inicio, llevándole incluso a cenar a su casa familiar por Acción de Gracias, donde conocerá a Lucy (Evan Rachel Wood), su hermana pequeña.

Ella está perdidamente enamorada de su chico, a quién acaban de mandar a la guerra. Pese a esto, Jude siente saltar la chispa entre los dos. Él y Max se marchan a vivir la vida en la gran ciudad de Nueva York, donde conocen a Sadie (Dana Fuchs), su casera, que además de esto es una prometedora cantante.

Aparte de ellos, el destino hace que Lucy, tras la muerte de su novio, Prudence (T.V. Carpio) una joven lesbiana que no consigue integrarse en ningún lugar y JoJo (Martin Luther McCoy), al que después de la muerte de su hijo sólo le queda la música, aparezcan en escena para terminar de completar un grupo de amigos que intentan superar juntos los golpes de la vida.

Una película para disfrutar

En ‘Across the Universe’, de Revolution Studios, vas a poder encontrar diversión para un rato largo, ya que la película dura aproximadamente dos horas. En ella, cada detalle del argumento está perfectamente medido: nombres de los personajes, situaciones, lugares, acciones, para que las canciones de los Beatles tengan la fuerza necesaria para relatarnos lo que está ocurriendo.

Al fin y al cabo, esta película nominada a los Globos de Oro en 2007 y en la que hacen su aparición personajes populares como Salma Hayek o Joe Cocker, se trata de una reflexión sobre una parte viva de nuestra historia reciente. Un momento en el que el anhelo de libertad y las ganas de superar los actos violentos empañan el día a día de nuestros revolucionarios personajes.

El protagonista, Mauro, un niño de 12 años, es llevado a vivir con su abuelo después de que sus padres tengan que huir al ser perseguidos por su ideología contraria a la dictadura que gobierna el país. Se va de Belo Horizonte a vivir a un distrito de Sao Paulo, Bom Retiro, en el que conviven dos comunidades, la italiana y la judía.

Su llegada no es como espera, ya que su abuelo ha fallecido horas antes de que sus padres le dejasen en el portal del edificio en el que vivía. Mauro tiene que acomodarse en la casa de Mótel, un judío amigo de su abuelo que no verá más que problemas con la presencia de un niño en su vida.

Un país revolucionado por la dictadura y el fútbol

Es 1970, el año en el que la selección de fútbol brasileña lograba su tercer campeonato mundial. Mauro espera la llegada de sus padres antes de que empiece el campeonato, como le ha prometido su padre, al igual que una llamada que le diga que están bien, que pronto volverán. Como huidos de la dictadura, los padres de Mauro están “de vacaciones”, pero sin fecha de regreso.

La vida de Mauro transcurrirá en el barrio en el que conocerá a varios amigos de sus padres con la fecha en el que el Mundial se ponga en marcha para volver a ver a sus padres. Unos meses que transcurrirán entre la soledad, su adaptación a las novedades que han aparecido en su vida, el fútbol y una dictadura que no tiene a penas símbolos externos que marquen su vida, sólo se representa en intuiciones y en sombras que pueblan las vidas de los que le rodean.

Basado en los recuerdos de una infancia

Cao Hamburger es el encargado de dirigir esta película que está basada en algunos recuerdos de su infancia. Además, el guión también está escrito por el guionista de “Ciudad de Dios”, Bráulio Manovani, nominado a los Oscars, Cláudio Galperin y Anna Muylaert,

Esta película supone una prueba más de la salud del cine brasileño, que ha sido capaz de narrar historias muy propias de su país pero de una manera totalmente exportable al resto del mundo. Además de “El año que mis padres se fueron de vacaciones” y “Ciudad de Dios”, otras como “Tropa de Elite” o “Estación central”, nominada a los Oscars, son un claro ejemplo.