(Captura de awardscircuit.com)

Thatcher vs un hombre con bombín

Reconocidas, premiadas, consideradas dos de las mejores actrices de Hollywood y máximas rivales en la lucha por el Oscar. La una por bordar a Margaret Thatcher en “The Iron Lady” hasta hacerla parecer buena, y la otra por travestirse de hombre con bombín en “Albert Nobbs”.

Con el Globo de Oro del lado de Meryl, parece que, la que en su día amadrinara como actriz a Cher cuando los guiones aún se escribían en piel de bisonte, va mejor posicionada en la carrera que Cruella DeVille Glenn, que siempre ha pecado un poco más de segundona. Incluso podría pasar que ambas se quedaran como la fea a la que nadie saca en el baile por culpa de Michelle Williams y tengan que aplaudirla por haber resucitado a Marilyn Monroe en “My week with Marilyn”, lo que deja claro que este año los premios femeninos van a parecer una fiesta de disfraces.

Tirando de la estadística que tanto gusta, Meryl Streep tiene el récord histórico de nominaciones (16), algo o muy bueno porque te nominan mucho o muy malo porque pierdes sin parar, por que de las 16 sólo se ha llevado el gato al agua dos, una de ellas por secundaria, y cuando Marta Sánchez aún ni estaba en Olé-Olé. Glenn Close, por su parte, puede presumir tanto de cinco nominaciones como de cinco derrotas.

La opción Viola Davis

Pero hay una cuarta candidata con opciones. “The help” ha sido una de las sorpresas del año y una de sus actrices, Viola Davis, ha escalado tantos puestos que ya ni sorprendería que ganara. Es más, en las últimas semanas la apuesta por Glenn Close se ha desinflado tanto y Michelle Williams resulta tan descafeinada, que el duelo con más opciones es el de Meryl vs Viola. Davis es tan efectiva que, el año que Angelina Jolie oyó por primera vez en su vida la palabra Alcobendas, ya estuvo nominada por una actuación de aproximadamente 8 minutos en “Doubt” – habiendo videoclips de Lady Gaga con más duración- y dejó tan buen sabor de boca en la Academia que a lo mejor hacen de este año su oportunidad. Eso sí, en contra “The help” es un film tan coral que su personaje bien podría calificarse de secundario.

Habrá quien piense que el cine no ha hecho justicia con Miranda Priestly Meryl Streep, dejándola tantas veces a las puertas, y este debe ser su año. Lo mismo con Glenn Close. Otros pensaran que hay que dar también paso al nuevo talento de Williams o Davis. Una de las cuatro se convertirá en la nueva mejor actriz, y las otras tres, al menos, podrán presumir que han estado nominadas. Más de lo que Sarah Jessica Parker podrá decir nunca.

En el cine no hay una regla de oro para que las películas triunfen, y En Tierra Hostil es un buen ejemplo de ello. Su directora, Kathryn Bigelow, inmersa en otro proyecto, no estaba muy convencida de dirigir esta película, y fue precisamente su ex marido James Cameron quien le convención para ello. No sabemos si se arrepiente ahora que esta pequeña producción ha dejado sin premio a su película más ambiciosa.

Superando obstáculos

La primera barrera ha sido repetida hasta la saciedad: Kathryn Bigelow es la primera mujer que consigue alzarse con el premio a la mejor dirección. Ya lo decía Barbra Streisand, encargada de entregar el Oscar: “ Por fin llegó el día”.

Y es que antes que ella sólo ha habido cuatro mujeres candidatas al Oscar a la mejor dirección, algo que en los 82 años de historia de los premios no parece mucho. Las afortunadas han sido Lina Wertmuller por Seven Beauties en 1976, Jane Campion por El piano en 1993, y Sophia Coppola por Lost in Translation en 2003.

Pero también hay que tener en cuenta los números. En Tierra Hostil ha sido el film ganador del Oscar a Mejor Película más barato, no llega a los 10 millones de euros, y también el que menos ha recaudado en taquilla, en todo el mundo se queda en la cifra de los 15 millones de euros. Si la comparamos con su principal competidora, Avatar, que costó casi 400 millones de euros y ha recaudado más de 2200 millones, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia, la cifra parece ridícula.

Por último, cabe destacar que En Tierra Hostil es la primera película bélica que gana el Oscar en esta categoría desde 1986, cuando se hizo con el galardón Platoon. Esto hace pensar que la Academia ha superado su miedo a premiar películas que hablen de temas tan controvertidos como la guerra de Irak.

El día a día de los artificieros

En Tierra Hostil trata de ponernos casi literalmente en la piel de una brigada de artificieros en Irak pasando por varios momentos de su vida diaria, y lo hace con actores prácticamente desconocidos.

Sus miedos, sus choques personales y cómo dependen únicamente de ellos mismos y sus compañeros es la forma que tiene Bigelow de contarnos esta realidad. Nadie es de fiar en un país extraño, cualquier cosa puede estallar en cualquier momento y una bala puede atravesarte sin saber de dónde ha venido.

Técnicamente introduce elementos que no estamos acostumbrados a ver en una película de género bélico. Rodada con un estilo de falso documental, los zoom nos acercan a la acción como un soldado más, y la utilización de la cámara lenta en las secuencias de acción eleva la tensión, para hacernos ver, que en el fondo, somos seres humanos (y el ser humano tiene un límite) en un escenario que no comprendemos del todo.

El Ataque de los racistas mutantes

La premisa argumental de “ofrecer soluciones sencillas a problemas complejos”, no es más que la justificación perfecta para evitar mojarse con el pecado ajeno. Paul Haggis, que tras guionizar una asombrosa Million Dollar Baby, sobre todo gracias al peso de la voz de sus protagonistas, más que a las palabras, y a la poética visual de un director capaz, intenta de nuevo cargar de moralina simple, algo tan
arraigado y social como es el racismo.

La absurda sensación, mientras ves la película, de formar parte de
una fábula disneyniana, no es tan disparatada como parece, pues nada de lo que se dice sorprende, es blanda, ligera y previsible, excepto cuando eres incapaz de creer que lo que estas viendo intenta ir en serio. Salvando alguna escena, que nos enseña como arrastrar al límite el conflicto racial, Paul Haggis consigue contar la misma situación una decena de veces, desde el mismo punto de vista usando el insulto fácil, la discusión esperada y el enfrentamiento, sólo cambiando el color de las personas afectadas.

Se lleva la peor parte el personaje de la sofisticada ricachona que interpreta la desafortunada Sandra Bullock, que a pesar de un curioso principio, carece de interés, e incluso se hace hasta vergonzoso.

Más allá de la fábula

Es un gran cuento de navidad que debería venderse como tal, y desde esa nueva condición si podría llegar a ser digerible y hasta necesaria. Hay ciertas películas que pueden ser consideradas necesarias de base, bien por su función reivindicativa: desvelando secretos acallados, tabúes con ganas de desempolvarse como las biografías perdidas de personajes no ilustres, las matanzas silenciosas o los movimientos sociales desaprobados; o bien por su papel ilustrativo-formativo, mostrando diferentes modos y maneras de vivir, ya sea la de una familia irlandesa, la de una colonia kurda, la de unos amantes lesbianos o la del sencillo y virtuoso pingüino emperador.

Crash pertenecería al grupo de las primeras, ya que narra historias entrecruzadas de unos personajes sin nombre, que cargan con una de las lacras innatas de casi cualquier sociedad humana: el desprecio al otro, el rechazo, la necedad. A modo de ejemplos comunes, se van involucrando los protagonistas exclusivamente en situaciones donde la falla racial queda patente.

Ese muestrario de momentos intolerantes, recoge lo que se puede considerar como su único acierto, que es hablar con franqueza, a pesar de su endeble discurso, de algo tan necesario y tan obviado como es el “soy intolerante hasta que se demuestre lo contrario”.

La película sin duda le iba como anillo al dedo, no sabemos muy bien si le quedó tan bien porque no hubo necesidad de interpretación y el reflejo de su propia historia le ayudó construir a Randy “The Ram” Robinson de una manera tan magistral.

Pero no hubo suerte y no se completó el resurgimiento del Ave Fénix por parte de Mickey Rourke, ya que Sean Penn y su espléndida interpretación del líder de los derechos de los gays, Harvey Milk se llevó el gato al agua.

La historia de un perdedor

El luchador centra su atención en aquellas personas que se esconden tras las máscaras y los focos de esos superhombres, una vez que su momento de mayor popularidad ha finalizado, una vez que los excesos comienzan a hacer mella en su salud y esto empieza a condicionar su profesión; son popularmente conocidos como los jueguetes rotos.

La película usa en todo momento dos versiones de un mismo personaje, por un lado muestra su faceta de luchador en un espectáculo de lucha que tanto fascina al público americano, y por otro su faceta más humana, la que nos muestra que estamos ante un hombre en las últimas, solo, con graves problemas económicos, y con un cuerpo que ya no responde.
Todo se le complica a The Ram, que tiene que jugar duro en ambos terrenos. El protagonista llega incluso a definirse a sí mismo como un “pedazo de carne”.

La vuelta de Rourke

Por otra parte existen dos mujeres que tienen la capacidad de salvar a este luchador. Una de ellas es Cassidy, interpretada por Marisa Tomei, madre soltera que trabaja como stripper, y que es amiga de Randy; él intenta conquistarla, pero no es tarea sencilla, ya que Cassidy no quiere involucrarse con otra persona que tiene, casi la misma cantidad de problemas que ella misma. La otra mujer es Stephanie, interpretada por Evan Rachel Wood, la hija de Randy, que no quiere estar cerca del ocaso de su padre, y que intenta alejarlo lo máximo posible de su vida.

Muchos han dicho que gracias a esta película Mickey Rourke ha sido capaz de salir del infierno personal en el que se había hundido para resurgir de manera espectacular. Si lo quieres comprobar tu mismo acercate a las salas de cine, la película está disponible desde el pasado fin de semana.

Si hay alguien a quién Penélope Cruz le agradece el impulso que supuso para su carrera internacional la elección para sus películas ese ha sido Pedro Almodóvar.

No podemos olvidar que Penélope ya fue nominada a un Oscar por el papel protagonista que el director manchego le dio en “Volver”. La vida de Penélope había cambiado para siempre y Alcobendas quedaba ya muy lejos de Los Ángeles.

Todo Sobre mi Madre

Pedro Almodóvar quería explotar el talento de la actriz madrileña, así que decidió ficharla para una de las mejores películas de la historia del cine español que consiguió el Oscar al mejor guión. Penélope tenía un papel secundario, pero de una fuerza extraordinaria que fue aplaudido en el mundo entero. La conexión profesional que habían encontrado el director y la actriz no se rompería desde ese momento. Haciéndola partícipe de prácticamente todas las películas que se rodaron posteriormente.

Volver

Con el papel protagonista en “Volver” fue candidata a numerosos premios. Entre los que ganó estuvieron el de la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes de 2006.

Con esta película, Penélope se hace un hueco en la historia al convertirse el 23 de enero de 2007 en la primera actriz española candidata a un Oscar de Hollywood como mejor actriz principal, teniendo enfrente como competidoras a actrices de la talla de Judi Dench, Meryl Streep, Kate Winslet (con la que competiría también este año por el Globo de Oro que finalmente se llevaría la actriz británica) y Helen Mirren, que acabaría resultando ganadora por “The Queen”.

El 28 de enero de 2007, Penélope Cruz consigue un segundo Goya –el primero lo logró por el papel protagonista en “La niña de tus ojos” de Trueba– como mejor actriz protagonista por su papel de Raimunda en “Volver”.

Por este trabajo recibió en el mes de octubre de 2006 el galardón a la mejor interpretación femenina en los Hollywood Awards, premios concedidos una vez al año por críticos de cine, productores y directores de festivales.

Viky Cristina Barcelona

Penélope había trabajado ya con los mejores directores del mundo, pero faltaba uno Woody Allen, y lo consiguió. El director neoyorkino no quiso perder la oportunidad de contar con ella para que junto con Scarlett Johansson y Javier Bardem formase parte del reparto de “Viky Cristina Barcelona”. La morena eclipsó a la rubia y fue nominada por segunda vez al Oscar de Hollywood. Esta vez si lo conseguiría.

Después de este logro aún se espera con mayor ansiedad la llegada de su última película con Pedro Almodóvar “Los Abrazos Rotos”. En pocos meses se podrá disfrutar, mientras tanto, podéis bajar al videoclub y echar un ojo a las películas sobre las que hemos hecho este repaso.

Pero a Penélope no la ha descubierto Woody Allen, sino numerosos directores tanto nacionales como internacionales que decidieron contar con ella para sus producciones.

Unas con mejor y otras con peor fortuna, pero que jamás han pasado desapercibidas ni para la crítica ni para el público.

Antes del papel de María Elena en “Viky Cristina Barcelona” Penélope ha cosechado un buen número de largometrajes. Tal vez el mejor homenaje que se le pueda hacer es recordarlos, al menos los más representativos:

Jamón Jamón

Su primer incursión cinematográfica fue de la mano de Bigas Luna que se había fijado en ella al ver unas fotografías y no dudó en llamarla. Tuvo que pedir permiso a sus padres ya que por aquel entonces aún era menor de edad y algunas escenas resultaban algo tórridas para la joven Penélope. Sus compañeros de reparto fueron los jovencísimos el también escarizado Javier Bardém y Jordi Mollá. La película fue un auténtico éxito y lanzó la carrera de la actriz madrileña.

Belle Époque

Penélope siempre ha tenido cerca al “Tío Oscar” ya que la película de Fernando Trueba se alzó con el premio a la mejor película de habla no inglesa, de la Academia de Cine norteamericana. En este momento Penélope Cruz aún no podía imaginar el futuro tan impresionante que la esperaba en Hollywood.

Todo es Mentira

Una divertidísima comedia coral dirigida por Fernando Colomo y que tuvo como compañeros de reparto, entre otros, a Coque Maya, Christina Rosenvinge, Jordi Mollá o Gustavo Salmerón. Penélope interpreta un papel similar al que la ha llevado a lograr el Oscar, en una película que habla sobre las relaciones de pareja.

Entre Rojas

En esta película el rol de la actriz cambia completamente, convirtiéndose en una presa de la cárcel de mujeres que se ha visto involucrada en temas políticos por culpa de su novio y donde pasa de su acomodada vida de niña bien a intentar sobrevivir en el interior de una prisión en la época franquista.

Durante estos años (1994-1995) Penélope rueda varias películas más aunque ninguna de ellas llega a tener demasiado éxito. Poco a poco la cara de la actriz madrileña se va haciendo cada vez más habitual dejando a un lado el recuerdo de esa adolescente que conocimos mientras presentaba el programa musical “La Quinta Marcha”.

John Patrick Shanley se encarga de adaptar una pieza teatral laureada con los premios Pulitzer y Tony en una atraganté historia acerca de la búsqueda de la verdad, la fuerza del cambio y las devastadoras consecuencias de la justicia ciega en una época definida por las convicciones morales, a la gran pantalla.

La historia se centra en 1964, en la iglesia de San Nicolás, en el Bronx. El Padre Flynn (Philip Seymour Hoffman), un brillante y carismático sacerdote, intenta desafiar las estrictas reglas del colegio que la Hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) lleva custodiando desde hace años con mano de hierro. Ella es la directora y cree ciegamente en el poder del miedo y la disciplina. Los cambios políticos están alcanzando todos los estratos de la sociedad y la escuela acaba de aceptar a Donald Miller, su primer estudiante negro.

Pero la Hermana James (Amy Adams), una joven inocente, hace saber a la Hermana Aloysius que el Padre Flynn está prestando una atención demasiado “especial” a Donald. Aloysius se siente obligada a emprender una lucha para averiguar la verdad y para echar a Flynn del colegio. A pesar de carecer de una sola prueba que confirme la sospecha, Aloysius se ve abocada a una lucha de poder con el Padre Flynn, que amenaza con destruir la iglesia y el colegio por sus devastadores consecuencias.

Desde los primeros momentos de The doubt (La duda) de John Patrick Shanley hasta su impresionante conclusión, la incertidumbre se apodera de todo, arrastrando al público hacia un inquietante misterio en el que dos monjas, un sacerdote y la madre de un niño, además de los espectadores, se ven obligados a enfrentarse a sus creencias más profundas mientras luchan con la sentencia y el veredicto, la convicción y la duda. En la batalla de poder que se deriva, The Doubt (La duda) formula complicadas preguntas sobre los desafíos que plantea un mundo sometido a dramáticos cambios y a grandes dilemas morales.

Fue la palabra “duda” la que llevó en un primero momento a Shanley a escribir lo que se convertiría en la obra de teatro más aclamada de la pasada década. Ahora ha adaptado la historia a la gran pantalla para llegar a un público más amplio y utilizar la fluidez del cine para sembrar nuevas incertidumbres.

Cuando empezó a escribirla, Shanley recuerda un programa en el que un sinfín de expertos pertenecientes a todo el espectro político se peleaban en televisión. “Sentí que vivía en una sociedad muy segura de un montón de cosas. Todos tenían una opinión inamovible, pero no había intercambio de ideas. Si alguien se atrevía a decir: ‘No sé’, corría el riesgo de que lo arrojaran a los leones. En nuestra sociedad había una máscara de certidumbre tan dura que empezaba a agrietarse. Y las grietas era las dudas”, ha comentado Shanley.

Una película que como mínimo nos hará reflexionar, además de disfrutar de unas interpretaciones magistrales de todos y cada uno de los actores que intervienen en el film.

Antes los actores que hacían entrega del galardón pronunciaban el famoso “The winner is…” cuando abrían el sobre con el nombre del ganador. Sin embargo, desde 1988 se usa la frase “The Oscar goes to…”, ya que se consideraba que con la anterior se menospreciaba a los que no la habían ganado haciéndoles pensar que eran “perdedores”.

En 2005, el uruguayo Jorge Drexler cantó parte de su canción “Al otro lado del río”, la ganadora de la categoría de Mejor Canción Original, al recoger su galardón como protesta ya que los productores no le permitieron que fuera él mismo quien la cantara en directo durante la ceremonia por no ser lo suficientemente conocido. Santana y Antonio Banderas fueron los elegidos para interpretarla.

El alcohol acompaña a los actores

En 1999, se produjo una gran polémica cuando se le concedió el Oscar Honorífico al director Elia Kazan. Kazan había participado en la llamada “caza de brujas” que el FBI llevó a cabo en Hollywood durante la guerra fría contra aquellos que consideraba comunistas. Durante su homenaje en la gala, un gran número de asistentes protestaron, permanecieron sentados e incluso se negaron a aplaudir.

Jack Lemmon llegó borracho –o al menos era lo que parecía– a la ceremonia de los Oscar de 1974, esto no hubiera sido un problema demasiado grande si no hubiera sido porque estaba nominado al premio y acabó ganándolo… Tuvo que ser ayudado por dos personas para subir al escenario.

Premiados en el frente de la Segunda Guerra Mundial

Cuando David Niven ensayaba su participación en una de las ceremonias, descubrió que Henry Mancini iba a animar su entrada en el escenario con unas notas de la banda sonora de “La pantera rosa”. Como no le gustaba especialmente la película, le pidió amablemente que tocase mejor “La vuelta al mundo en 80 días” que le resultaba mucho más agradable.

Cuando el director William Wyler obtuvo el Oscar por “La señora Miniver” era la quinta ocasión en la que estaba nominado como mejor director. Pero esta vez se enteró lejos de la gala, en Oxford donde estaba destinado como bombardero durante la Segunda Guerra Mundial, cuando un periodista le telefoneó para pedirle una foto.

Un gran número de anécdotas que no se quedarán ahí, sino que aumentarán a la misma velocidad que la cantidad de artistas premiados.

La ceremonia está preparada para funcionar como un reloj suizo, con todos los tiempos ajustados y los mecanismos perfectamente sincronizados, sin embargo, la perfección es algo imposible de alcanzar cuando el espectáculo está organizado por personas, aunque estos sean excelentes profesionales en sus respectivos campos.

En 1993, Tom Hanks dedicó su premio a su profesor de teatro del instituto, que había sido una gran inspiración para preparar su papel de enfermo de Sida homosexual en “Philadelphia”, ya que era gay. Esta anécdota se convirtió posteriormente en la base de una comedia “In & Out”, que protagonizó el actor Kevin Kline.

Agradecimientos interminables

La actriz Greer Garson tiene el récord del discurso más largo de la historia de las ceremonias –a pesar de que Pedro Almodóvar también estuvo cerca si no le hubiesen sacado a rastras Penélope Cruz y Antonio Banderas–. Al recoger su premio por su trabajo en “La señora Miniver”, en 1942, Garson se lo tomó relajadamente, sin prisa y se pasó la friolera de siete minutos dando las gracias por su premio. Debido a esto es normal que la academia lo haya probado prácticamente todo para intentar acortar los discursos de los vencedores, desde la banda de música complicando los discursos, hasta el micrófono que desaparece ante el ganador del premio mientras suelta la retaíla.

Nudismo sobre el escenario

En 1973, Robert Opal interrumpió la gala corriendo desnudo por el escenario. El presentador David Niven, atónito, salió muy bien del paso: “Piensen, las únicas risas que va a provocar este hombre en su vida serán por desnudarse y mostrar sus carencias”. ¡Viva el espectáculo!

En 2001, para no alargar en exceso la ceremonia, la Academia anunció que premiaría al discurso más corto con un equipo de TV. Sin embargo a Julia Roberts no le apasionó la idea y cuando subió al escenario dijo: “Qué diablos, yo ya tengo tele, y como no sé si voy a volver a estar aquí arriba en toda mi vida, me voy a tomar el tiempo que necesite para agradecer el premio a quien me de la gana”. El equipo se lo llevó Michael Dudok de Wit, que solo tardó 18 segundos en agradecer el premio cuando recogió el Oscar al mejor corto de animación.

Y es que siempre se agradece humanizar a aquellos que resultan perfectos en las pantallas de cine.

Como la inconmensurable Meryl Streep que olvidó su estatuilla dorada en el lavabo del Dorothy Chandler Pavillion a los pocos minutos de haberlo ganado en 1980. Y es que en el baño una mujer tiene que sujetar demasiadas cosas…

Rencillas y envidias

Barry Fitzgerald partió en dos su premio, que en 1945 estaba creado a base de yeso, mientras se dedicaba a jugar al golf en el pasillo de su casa. ¿Cómo sería el pasillo?

Uno de los momentos más incómodos de la gala se produjo en 1933, cuando Will Rogers anunció el premio a mejor director y espetó: “Vamos Frank , sube a recogerlo”, Frank Capra , el candidato predilecto para llevarse el premio gracias a ” Dama por un día “, se levantó y se dirigió al escenario para descubrir que el auténtico ganador era otro Frank: Frank Lloyd , que había sido nominado por ” Cabalgata “.

Las rencillas entre las estrellas hollywoodienses eran de sobra conocidas, como la eterna bronca entre Bette Davis y Joan Crawford , que a mediados de los 40 se convirtió en una auténtica batalla para saber cuál de las dos lograría un galardón. Ambas participaron en “¿Qué fue de Baby Jane?” en 1962, pero sólo Bette Davis logró ser candidata.

Borracheras de Oscar

Joan Crawford se tomó la revancha cuando, al arrancar el premio a su enemiga pública, una Anne Bancroft ausente en la gala, se las arregló para recoger ella el galardón en su nombre y ejercer como si hubiese sido ella la ganadora del Oscar, convirtiéndose en la auténtica protagonista de la noche y la que recibió los aplausos, algo que molestó enormemente a Bette Davis, como ella misma reconocería años después.

La noche del 4 de abril de 1960 Billy Wilder se pilló una borrachera importante. Se entregaban los Oscar correspondientes a las mejores películas de 1959 y su filme “Con faldas y a lo loco” competía en 6 categorías, entre ellas, tres de las más importantes .

El gran adversario era Ben-Hur, de William Wyler, que contaba con 12 nominaciones y era la gran favorita en todas. la batalla. Wilder disfrutó y sufrió la gala de los Oscar a partes iguales en casa de su amigo Charles Vidor. Cada vez que Ben-Hur se hacía con una estatuilla el director se servía un Martini.