(Captura de teenagethunder.wordpress.com)

Nomi Malone: todo por un sueño

Una joven embutida en un pantalón vaquero de tiro alto y con una chaqueta de cuero con flecos hace autostop con dirección Las Vegas. La joven es Nomi Malone y así comienza la gran película de los 90s. Son unos pocos los elegidos que saben ver en “Showgirls” un maravilloso film de culto, y razones no faltan. En primer lugar está su protagonista, Elizabeth Berkley, la que apenas dos años atrás hacía de la empollona Jessie Spano y calentaba las mentes juveniles con sus ya voluptuosas curvas en “Salvados por la campana”. Por otro lado su antagonista, Crystal Connors, que tiene todo a lo que Nomi aspira y que es un personaje también con bastante contenido y mucha adicción. Acompañan esos bailes sin lógica, la luminosa y hortera Las Vegas, el escenario más kitsch del mundo, y esos diálogos sonrojantes cargados de carga emocional (“I’m not a whore, i’m a dancer!”). Maravillas de una película que tiene el récord histórico de Razzies, el anti-Oscar, con 13 nominaciones y 7 triunfos, incluyendo, cómo no, Peor película, Peor Actriz, y Peor director, pistas evidentes de que es una gran película, pero no del tipo mamarrachada de Gothika, que es mala por ser mala, sino un PELICULÓN.

A pesar de las pésimas críticas, en su época fue todo un récord de recaudación no se sabe si por que la gente pensaba que estaban ante la gran obra del año, o por si era la forma más fácil de ver porno en pantalla grande. Para Berkley, Showgirls fue un mazazo para su frágil carrera. Seguro que a la pobre la engañaron con cosas del tipo “es un concepto nuevo de cine”, “serás la estrella de un nuevo cine”, lo mismo que le pudo pasar a Neve Campbell con Scream pero a esta con éxito y sin tener que enseñar al completo su anatomía. La película contaba con una gran inversión y estaba destinada a ser un exitazo, tanto que a punto estuvieron de dar vida a Nomi Charlize Theron y Drew Barrimore, y Madonna y Angelina Jolie para Crystal. Todas deben estar ahora dando gracias al Señor cada día al levantarse por no haber aceptado el papel.

Nomi Malone is Goddess

Hay quien ha querido ver en “Showgirls” un remake no confeso de “Eva al desnudo”, y algo de lógica hay. Nomi Malone, hambrienta de éxito y triunfo no se lo piensa dos veces y lanza escaleras abajo a su mentora Crystal Connors, la protagonista del show Goddess, con el resultado de reemplazarla como protagonista al igual que Eva acabó con el papel de Margo. Nomi, que es una chica fina hasta para deshacerse de sus rivales, lo es también al vestir con unos estilismos que son acierto tras acierto, y haciendo gala de indiscutible buen gusto, se compra con su primer sueldecillo de bailarina de barra (dancer, never a whore) un Versace, que dará uno de los grandes momentos de la película cuando le piropean, y ella en plan ostentosa, fina y pavoneando el caché que no tiene, dice que lo compró en ‘VERSEIS’. El silencio incómodo de los presentes todavía dejan el diafragma doliendo.

Showgirls no es sólo la peor película de los 90s, es también una obra de culto. Una montaña rusa de situaciones cada cual más rocambolesca que nunca debe quedar en el cajón del olvido.

La película

Film independiente dirigido por Grant Heslov, acostumbrados a ver a este actor como secundario y guionista en “Buenas noches y buena suerte”, en este caso nos presenta su debut como realizador.

Una película fácil de ver y divertida por momentos, aunque la segunda mitad del film se hace pesada debido esto a su estructura narrativa poco ordenada. De hecho, si no fuese por las estrellas que unifican sus dotes en la película (Jeff Bridges, George Clooney, Ewan McGregor y Kevin Spacey), tal y como está presentada, no hubiera llegado más lejos de ser una simple “anécdota”.

Un reparto esplendido para esta comedia alucinógena, cuyos actores buscarían la inspiración a base de psicotrópicos, alcanzando un nivel de buen rollo que se nota en pantalla. En definitiva, mucha química…

Argumento

Un periodista defraudado con su vida, Bob Wilton, tras el abandono de su mujer y lleno de rabia se va a Kuwait para investigar los asuntos relacionados con la guerra de Iraq.

El protagonista conoce a Lyn Cassady, con quien se va a la guerra para comprobar lo alucinante del relato que le ha contado acerca de los poderes de la mente humana y su aplicación al ejército. Las Fuerzas Especiales estadounidenses, para su sorpresa, hacen uso de técnicas parapsicológicas con fines de espionaje. Entre estas técnicas se encuentran, técnicas de invisibilidad, desaparición de nubes, atravesar paredes, lectura de la mente, intuición y provocar infartos a cabras a través de la mente…

Parecido con la realidad

Historia surrealista basada en un caso real. Un Coronel americano quiso reorganizar las Fuerzas Armadas americanas bajo las tendencias espirituales de la Nueva Era. Al parecer, parte del presupuesto militar se invirtió en esta causa, y no es seguro hasta que punto en la actualidad se siguen financiando estas técnicas.

Formando una particular ida de olla, la película se ríe de su premisa, de su punto de partida mediante un desarrollo algo estrambótico. El guión consigue ser inteligente e irónico, haciendo las delicias de los espectadores amantes de lo absurdo. Basa su razón de ser en unos hechos y personajes reales desequilibrados, que viven en un universo tan extraño como coherente.

Únicamente el tercer acto, en el cual tiene que unir el origen del programa con los hechos sucedidos a los dos protagonistas y cerrar así la historia, pierde su toque alocado y baja de manera sensible su nivel. Todo el desarrollo del film recuerda al espectador a una comedia de los hermanos Coen, pero con un ritmo ligeramente más acelerado.

Superando con creces la mayoría de las comedias simples para adolescentes, consigue acercarse al terreno de las películas inclasificables marcianadas que se agradecen de vez en cuando.

Un film antibélico diferente del que no mucho más podemos añadir, como un buen viaje, hay que vivirlo, no se puede determinar la calidad de la experiencia, para algunos buena, para otros, mala.

Lo mejor: El reparto de fiesteros, caraduras y buenos profesionales que han dado vida a semejante locura.
Lo peor: Que no sepa mantener el ritmo y se diluya un poco.

Con esta premisa parte Celda 211, la última película de Daniel Monzón. Ya ha triunfado en los Goya, con 8 cabezones en el bolsillo. Partía como favorita, pero de estas cosas no te puedes fiar, y menos si tienes a Amenábar detrás con una superproducción.

Sin embargo, esta vez las previsiones no fallaron, y Ágora se quedó con los premios técnicos, mientras que los principales galardones artísticos fueron a parar a manos del equipo de Celda.

Malamadre manda

Un thriller carcelario que no cae en los tópicos. Los policías son los malos y los reclusos te terminan cayendo simpáticos. Incluso la transformación de Juan, alias “Calzones”, te parece natural. ¿Cómo podía haber actuado de otra manera? Sin embargo, en ocasiones el espectador no llega a empatizar con él. Y quizá sea porque el papel de su novia embarazada es el previsible desencadenante de una historia donde todos se rinden a Malamadre.

Porque cada vez que Luis Tosar abre la boca, la película sube en calidad. La caracterización es magnífica, destacando por encima de todo la flexibilidad vocal que impregna al personaje. Es su seña de identidad y no se desprende ella en ningún momento. Tal y como dijo Tosar en la gala de los Goya, los actores lo hacen mejor cuando tienen grandes personajes; y Malamadre es grande, sin fisuras.

Personajes e historias secundarios

Lo secundario no es malo, y si no que se lo digan a esta película. Hablando de personajes nos encontramos con un Antonio Resines alejado de sus registros más habituales. Un policía violento y sin escrúpulos, metáfora de la corrupción del poder. Y Carlos Bardem, que nos sorprende con un papel de traficante colombiano, es paciente, espera su momento y aparece cuando tiene que hacerlo, aunque sabes que siempre está ahí. A pesar de estar los dos nominados a mejor actor de reparto, el galardón recayó en Raúl Arévalo por su papel en “Gordos”, una de las sorpresas de la noche.

Como historia, dejando de lado el motín, nos tenemos que fijar en la crítica política. Los presos de ETA se convierten en la gran preocupación de los gobernantes, por encima de la seguridad de cualquiera. Y todos lo saben, por eso se convierten en el elemento de negociación de los presos: saben que ellos no tienen valor, pero un preso de ETA son palabras mayores para los que mandan

La dirección corre a cargo de Albacete y Menkes, dos grandes guionistas que no tenemos muy claro el porqué (imaginamos que será para animar a las hormonas que libran la batalla del crecimiento en el interior de los y las adolescentes de este país, para que acudan en masa a las salas, puede ser un buen motivo) de semejante reparto.

La trama de la película es una maravillosa excusa para mostrar a este grupo de jovencitos (y no tan jovencitos aunque puedan aparentarlo) mostrando torso y dándose el lotazo entre ellos.

Barra libre de guaperas televisivos

A priori no parece un argumento especialmente interesante, aunque estamos seguros de que muchas de los adolescentes de nuestro país no estarán de acuerdo con esta humilde opinión.

Sus creadores la presentan como: Moderna, original, una arriesgada mirada sobre los jóvenes y la forma de vida de muchos de ellos. Polémica y controvertida.

En fin…

Tampoco es la originalidad hecha largometraje precisamente, aunque claro, hay que venderla… Un poco más de lo mismo, con chavales que se pasan las noches en discotecas, chill outs, playas, música “cañera”, drogas, sexo, ­- mucho sexo- engaños y muñecos rotos hasta que llega el momento de lucided donde se ven iluminados y se dan cuenta de que su vida no puede seguir así.

Más de lo mismo

Dudamos que sea una de las nominadas a la próxima edición de los Premios Goya, aunque nunca se sabe…

El problema de hacer películas con esta temática tan específica, que intenta representar a los jóvenes de nuestra sociedad (desgraciadamente un número importante), hace que después se generen psicosis colectivas entre padres de adolescentes, los chavales que no se ven identificados se mosqueen y ya tenemos carne para cuatro o cinco programas de televisión basura.

La fórmula perfecta, publicidad, morbo y ganas de tocar las narices a diferentes sectores de la sociedad. Si bien es cierto que la mayoría de estos actores (no todos) únicamente tienen experiencia en series de televisión, con papeles que poco difieren de los que van a interpretar en la película que se estrena el próximo 27 de marzo, presagiamos que sus carreras en el cine no se parecerán mucho a las de Javier Bardem o Penélope Cruz.

La historia del revolucionario argentino Che Guevara no podía contarse en dos horas y media, por este motivo, Steven Soderbergh pensó que no podía simplificar tanto una historia que va desde el viaje con Fidel Castro a Cuba en el año 1956 hasta el asesinato del Che en 1967 y que además examina la Revolución cubana y los años en Bolivia en el conato de comenzar la gran revolución latinoamericana.

Por eso el director decidió rodar la película de un tirón, para posteriormente dividirla en dos partes y completar así la historia de un hombre que pasó de ser guerrillero a convertirse en icono.

La vida de la guerrilla

En la primera parte, “Che, el Argentino”, Ernesto Guevara se encontraba en lo más alto de su popularidad, tras el éxito que supuso la revolución en Cuba. En esta ocasión “Che Guerrilla” continua en el momento en el que una vez convertido en referencia internacional, decide evaporarse.

Esto hace que periodistas, políticos e incluso su propia familia se preguntan en qué lugar se encuentra, es entonces cuando el Che reaparece en la selva boliviana, donde se encuentra estableciendo grupos de guerrilleros para amplificar el triunfo cubano.

Fin del sueño revolucionario

Las evasivas de los lugareños bolivianos hacia los guerrilleros que vienen de fuera, y el escaso apoyo del Partido Comunista de Bolivia, además del propio aislamiento en una selva feroz, complicado con los problemas respiratorios del Che, y un grupo cada vez más dañado tanto física como moralmente serán muchos de los temas que trata ‘Guerrilla’, todo ello basado en el “Diario boliviano de Guevara”, que ha servido de inspiración para el guionista de la película Peter Buchman.

“Che, Guerrilla” tiene una personalidad propia con respecto a la anterior parte y, a la vez, representa las dos caras de una misma lucha: tras el glorioso triunfo, el regreso de una nueva lucha guerrillera que acabará en nada.

Alejada de la imagen que muchos han querido vender sobre el revolucionario argetino “Che, Guerrilla” se adentra en la selva boliviana, para describir el día a día de la vida de los guerrilleros y no para desentramar los motivos que llevaron al fracaso de la revolución y al final del Che. Soderbergh evita la glorificación teniendo en cuenta que cualquier versión que se haga del personaje no será bien vista por todo el mundo, ya que trabajar sobre un personaje convertido en mito siempre despierta desconfianzas en cuanto a la veracidad y el partidismo de la historia que se cuenta. Benicio del Toro, su protagonista, sencillamente soberbio.

Todo un fenómeno cinematográfico es en lo que se ha convertido “Slumdog Millonaire”, que comenzó su viaje en septiembre por los circuito independientes norteamericanos y consiguió revolucionar festivales de enorme prestigio como Telluride o Toronto. Desde ese momento, ha sufrido un imparable ascenso que la ha llevado a situarse como uno de los largometrajes más vistos, entusiasmar a la crítica y convertirse en una de las mejores películas del año. Según Hollywood, desde el pasado domingo, en la mejor.

“Slumdog millionaire” narra una historia inventada, no es real, la de Jamal Malik, un joven de Bombay que se presenta al concurso de televisión más popular de la India para que la chica de la que está enamorado lo vea por la pequeña pantalla.

La lucha por la supervivencia

Sin embargo, el joven que carece de formación logrará, contra toda previsión, acertar todas y cada una de las preguntas enunciadas, quedándose a una del premio millonario. Con motivo de su incultura, será arrestado al ser considerado como sospechoso de hacer trampas para conseguir llegar hasta ese punto del programa.

Ese es el momento en el que Jamal deberá explicar cómo su lucha por la supervivencia en las calles de Bombay le han hecho conocer las respuestas a todas las preguntas del concurso.

La película, al comienzo, estaba producida por la Warner Independent, una filial de cine independiente de la Warner Bros. Pero en mayo, Warner anunció el cierre de Independent, por lo que la película corría el peligro de quedarse sin estrenar en cines y pasar directamente a las estanterías del videoclub.

Destinada a los videoclubs

Sin embargo, cuatro meses depués la Fox Searchlight formó equipo con Warner para seguir con el proyecto. Fox Searchlight, había conseguido ya éxitos de taquilla con las también independientes “Pequeña Miss Sunshine” y “Juno” y se comprometía a hacerse cargo de los costes de marketing y distribución.

Una vez resuelto el problema, faltaba encontrar la manera de vender y conseguir el éxito una película hablada en hindú e inglés, sin super estrellas y ambientada lejos de Estados Unidos. La respuesta la tenían delante de sus narices.

Y es que la película se ha hecho con la crítica y el público sin necesidad de más. Danny Boyle, director también de “Trainspotting”, ha conseguido crear un ambiente rodeado de emociones y una película completamente natural y con mucha fuerza. Mezclada algo de estilo bollywoodiense la película se recrea en un gran apartado técnico y unas actuaciones sorprendentes, ya que el reparto lo conforman habitualmente niños y adolescentes.

El Oscar, es merecido.

Dicen los que tienen más datos sobre la película que aunque tiene el sello personal del joven director, poco tiene que ver con lo que estamos acostumbrados a ver hasta el momento.

La película se centra en un momento crucial de la Historia de la Humanidad, el ascenso del cristianismo, una la extraordinaria historia que aborda Alejandro Amenábar en “Ágora”, película protagonizada por Rachel Weisz y Max Minghella con la que el escarizado cineasta vuelve a la gran pantalla acompañado tras un largo parón, no en lo que a actividad cinematográfica se refiere, ya que ha seguido trabajando, sino para el espectador que estaba esperando ansioso su vuelta con un nuevo proyecto.

Reparto internacional

En el siglo IV, Egipto era una provincia del Imperio Romano. Su ciudad más emblemática, Alejandría, se había convertido en el último baluarte de un mundo en crisis, confuso y violento. En el año 391, las revueltas callejeras alcanzaron una de sus instituciones más legendarias: la biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hypatialucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo, sin percibir que su joven esclavo, Davo, se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

Agora es ya una de las producciones más ambiciosas del cine europeo, en la que se han reunido actores y técnicos de diferentes nacionalidades. Inspirada en hechos históricos, Alejandro Amenábar ha realizado un duro esfuerzo por acercar a la audiencia de hoy la vida en la antigüedad, combinando decorados monumentales con acción real y los efectos visuales de última generación.

Equipo de lujo

Para ello se ha rodeado de un equipo de primera línea como ya es habitual en sus producciones. En la Dirección Artística, Guy Dyas, responsable de la construcción visual de películas como Indiana Jones y la calavera de cristal; Xavi Giménez (El maquinista) como Director de Fotografía; Gabriella Pescucci (Oscar por La edad de la inocencia) en el Diseño de Vestuario; o Félix Bergés al cargo de los Efectos Visuales. El músico italiano Dario Marianelli (Oscar por Expiación) compone la banda sonora de la película a diferencia de otras ocasiones en las que Alejandro Amenábar se encargó de ella.
Aún quedan unos cuantos meses, pero… ¿No tenéis curiosidad por saber con que nos va a sorprender este excelente director?

Un joven de 15 años, Michael Berg cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, es entonces rescatado por Hanna Schmitz, una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado romance, hasta que Hanna desaparece súbitamente. Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho, vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un terrible crimen, y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que es aún más vergonzoso que el asesinato.

Un trágico argumento que Kate Winslet hace suyo otorgando al personaje de innumerables matices, que la han encumbrado a la cima del cine norteamericano.

Basado en un hermoso libro

The Reader, tanto el libro como la película, pretende contar una historia sobre la propia Historia. Como todos los grandes referentes que cita -La dama del Perrito, de Chejov; Doctor Zhivago, de Pasternak; o La Odisea, de Homero- apuesta por descubrir el mundo a través del hombre y no al revés.

Es de las pocas adaptaciones de un libro que no provocan desilusión. Durante el rodaje de The Reader los productores Sidney Pollack y Anthony Minghella fallecieron. Esta última película es su legado final, su testamento.

La crueldad de los recursos

Ecléctica y sutil, acompañada por una excelente banda sonora, The Reader acaricia y da cadencia romántica a una historia de amor, la hace chocar delicadamente contra el rumbo de la Historia y, con lo que queda de ella, crea un hondo debate intelectual.

100% cine europeo del que sorprende la enorme y favorecerdora acogida por parte del público norteamericano, poco acostumbrado a este tipo de historias tan profundas.

The Reader es una película profunda, evocadora y, pero sobre todo, llena de esperanza y anhelos, que llega directamente al corazón, tanto por la historia de amor que narra como por la época en la que se sitúa, Alemania tras la Segunda Guerra Mundial y el tema sobre el que gira, el holocausto perpetrado por los nazis contra los judíos.

Pero es mejor no despejar más sobre la historia y que sea el espectador el que la descubra.

Made in Spain

Lo español está de moda y en el cine sin excepción. Penélope Cruz ha conseguido dar un pasito más en la carrera hacia los Oscar llevándose a su casa el Bafta, uno de los más cotizados premios de la cinematografía europea.

Sin despeinarse Penélope ha conseguido que Woody Allen pase completamente desapercibido cuando se habla de “Vicky Cristina Barcelona”. La protagonista es ella, la chica de Alcobendas.

La película del director neoyorquino ha pasado sin pena ni gloria por nuestro país, uno de los que más le estima y admira, tal vez porque una vez más cometemos el error de doblar los largometrajes. En este caso resulta muy extraño escuchar a Javier Bardem y a Penélope Cruz con voces que nos son familiares, pero en otros personajes.

La nueva Audrey Hepburn

La fuerza de la interpretación de estos dos actores solo puede disfrutarse al máximo viendo la película en versión original, ya que los gritos de Penélope son “auténticos” y doblados pierden el encanto.

Es la segunda vez que Penélope es nominada a los Oscar, esta vez no sabemos si tendrá más suerte que la anterior ocasión, ya que compite con otras grandes actrices como Amy Adams y Viola Davis(“La duda”), Taraji P. Hamon (“El curioso caso de Benjamin Button”) y Marisa Tomei (“The Wrestler”).

La actriz española considerada por muchos como la nueva Audrey Hepburn, su look en la gala de anoche la acerca cada vez más a esta afirmación, no ha parado de agradecer a Woody Allen la experiencia de trabajar con él y la oportunidad de haber sido nominada a todos estos premios gracias a su dirección.

De esta forma, tras el logro del premio Bafta, sus posibilidades de hacerse con el Oscar son mayores, ya que no deberá enfrentarse a otra de las ganadoras de la noche, Kate Winslet, debido a que su participación en la película de Stephen Daldry ”The Reader” ha sido reconocida por la Academia de Hollywood entre las nominadas como mejor actriz principal.

Está claro que a Penélope ya todo el mundo la toma en serio, probablemente sea en nuestro país donde lo tenga más difícil, pero Europa y Estados Unidos se rinde a sus pies. ¿Logrará entonces Penélope la misma gesta que Javier Bardem el pasado año con “No Country for Old Men”?

Una historia de verdad

Dirigida por Santiago A. Zannou y protagonizada por JM Montilla ‘El Langui’, líder del grupo musical de hip hop gitano La Excepción, del barrio madrileño de Pan Bendito, que fue galardonado en 2006 por MTV Europa como el mejor grupo del mundo en lengua castellana. Un tandem profesional que traspasa las barreras del trabajo, pero sobre todo las de la superación personal.

Una historia de personajes que se niegan a jugar el papel de perdedores que parece que la vida les ha impuesto. Personajes olvidados que necesitan gritar muy alto, para dejar de ser invisibles, para sentir que también existen.

Su director, Santiago A. Zannou, se inspiró en un “colega” manco  capaz de hacerse los porros con una sola mano, para crear el personaje  central de esta historia

“El Cuajo”, un joven de 28 años con parálisis cerebral, interpretado por “El Langui”, y que trapichea para poder sobrevivir, convence a su amigo Adolfo, un mulato que coquetea con las drogas, para que se unan por un mismo objetivo: Montar un estudio musical y vivir del hip hop. “El Cuajo” lo tiene claro: “A mi no me digas que no se puede…”

Querer es poder

Una historia que a pesar de ser ficción trata temas que nos resultan muy familiares. Sincera, cercana, sin pretensiones, con unas interpretaciones bárbaras (“El Langui” ha sido premiado con el Goya al actor revelación) y con una mezcla de ternura y dureza, que hacen de esta película una de las principales opciones a la hora de ir al cine.

Su estreno se produjo el pasado 16 de enero, pero su promoción no ha sido como el de muchas películas con un gran presupuesto, la suya ha sido la de la calle –como la historia de la que habla la película– suficiente para lanzarla.

Su protagonista comparte un gran número de similitudes con su personaje, tal vez por eso la veracidad de su interpretación consigue emocionar al espectador.

Una historia que habla de barreras pero, sobre todo de cómo saltárselas