(Captura de empireonline.com)

Una película puede ser recordable por varias cosas: su excelente trama, desnudos frontales actuaciones magistrales de sus protagonistas, una gran historia… o simplemente por ser tan malas que son difíciles de borrar de la memoria. Y no son pocas las que merecerían mención, pero por esta vez hemos querido escoger sólo diez, las diez mejores/peores películas del cine.

10. Glitter, todo lo que brilla

La película de Mariah Carey no pudo tener un título menos acertado, por que la película brillar brilló poco y fue todo un FRA-CA-SO de taquilla. Las 4 personas que acudieron a verla, incluida la diva, salieron horrorizadas ante tal abominación.

09. The hottie and the nottie

Presentada como comedia romántica con un título que vendría a traducirse como “la sexyguapi y el que no lo es”, contaba con protagonista con la actriz, cantante, celebrity, border-line Paris Hilton. Una experiencia adorable de mano de Paris que no puedes perderte.

08. Catwoman

Si la vida no es una noria que se lo digan a Halle Berry. Pasó de ganar el Oscar a dos años después ganar el Razzie -el anti Oscar- por esta maravillosa recreación de algo parecido a Catwoman. De 100Millones de dólares que costó sólo pudo recaudar $82,102,379 a nivel mundial.

07. Crossroads

Aunque no lo creas o tu memoria haya hecho todo lo posible por olvidarlo, Britney Spears se rapó la cabeza y también hizo una película. En una película tan mala que ni en el cable la quieren repetir, la cantante buscaba desesperadamente por todo EEUU a su madre que la había abandonado. Pero el gran mérito de la película es vendernos la virginidad como algo necesario ver a Samantha Jones haciendo de madre de Britney y repudiándola como a un perro sarnoso.

06. Sé quién me mató

Lindsay Lohan afrontó aquí el mayor reto interpretativo de su carrera: aguantar un rodaje sin drogarse dar vida a dos personajes a la vez. La peli, que es algo así como un thriller oscuro, empieza bien y crea misterio pero desemboca en una típica y nada creible historia de hermanas gemelas que se comunican, de asesino en serie anormal, de padres con secretos… en definitiva, una de esas que verías un sábado por la tarde en Antena 3.

05. Los años desnudos: clasificada S.

Sólo por tener a Mar Flores en el elenco ya es digna de homenaje. Tres chicas intrépidas y muy distintas vivirán el cine en la época más gloriosa del cine español: el destape. El resultado es simplemente maravilloso.

04. Burlesque

Lógicamente si juntas a Dios Cher con Christina Aguilera el resultado no puede ser otro. La momia veterana ejerce como mentora de la que un día fuera compañera de Britney en Disney Club. Un orgia de purpurina, plumas y situaciones previsibles.

03. Sex and the City (1 y 2)

Carrie y sus secuaces nos regalaron a los fans de la serie estas dos películas tan indispensables. La primera aún se hacía pasar por seria durando más de dos horas (igualmente nunca suficiente) pero en la segunda ya se pasó a la autocrítica y al absurdo -cualidades indispensables- dando todo un carnaval de emociones.

02. Showgirls

Todo lo que podamos decir de esta obra cumbre es poco. Te invitamos a que revises el artículo sobre ella que ya publicamos. Simple y llanamente: Showgirls es una obra de arte.

01. Cualquiera de Sarah Jessica Parker

Bien conocido es nuestro amor por la equina diva y no podíamos acabar sin hacerla mención. Aunque SJP resulta veneno para la taquilla y todo lo que toca lo convierte en fracaso, no puedes quedarte sin ver sus múltiples perfiles interpretativos en títulos como: “Tentación en Manhattan”, “Novia por contrato”, “La joya de la familia” (esta realmente no es tan mala) o “¿Qué fue de los Morgan?”

La película

Film independiente dirigido por Grant Heslov, acostumbrados a ver a este actor como secundario y guionista en “Buenas noches y buena suerte”, en este caso nos presenta su debut como realizador.

Una película fácil de ver y divertida por momentos, aunque la segunda mitad del film se hace pesada debido esto a su estructura narrativa poco ordenada. De hecho, si no fuese por las estrellas que unifican sus dotes en la película (Jeff Bridges, George Clooney, Ewan McGregor y Kevin Spacey), tal y como está presentada, no hubiera llegado más lejos de ser una simple “anécdota”.

Un reparto esplendido para esta comedia alucinógena, cuyos actores buscarían la inspiración a base de psicotrópicos, alcanzando un nivel de buen rollo que se nota en pantalla. En definitiva, mucha química…

Argumento

Un periodista defraudado con su vida, Bob Wilton, tras el abandono de su mujer y lleno de rabia se va a Kuwait para investigar los asuntos relacionados con la guerra de Iraq.

El protagonista conoce a Lyn Cassady, con quien se va a la guerra para comprobar lo alucinante del relato que le ha contado acerca de los poderes de la mente humana y su aplicación al ejército. Las Fuerzas Especiales estadounidenses, para su sorpresa, hacen uso de técnicas parapsicológicas con fines de espionaje. Entre estas técnicas se encuentran, técnicas de invisibilidad, desaparición de nubes, atravesar paredes, lectura de la mente, intuición y provocar infartos a cabras a través de la mente…

Parecido con la realidad

Historia surrealista basada en un caso real. Un Coronel americano quiso reorganizar las Fuerzas Armadas americanas bajo las tendencias espirituales de la Nueva Era. Al parecer, parte del presupuesto militar se invirtió en esta causa, y no es seguro hasta que punto en la actualidad se siguen financiando estas técnicas.

Formando una particular ida de olla, la película se ríe de su premisa, de su punto de partida mediante un desarrollo algo estrambótico. El guión consigue ser inteligente e irónico, haciendo las delicias de los espectadores amantes de lo absurdo. Basa su razón de ser en unos hechos y personajes reales desequilibrados, que viven en un universo tan extraño como coherente.

Únicamente el tercer acto, en el cual tiene que unir el origen del programa con los hechos sucedidos a los dos protagonistas y cerrar así la historia, pierde su toque alocado y baja de manera sensible su nivel. Todo el desarrollo del film recuerda al espectador a una comedia de los hermanos Coen, pero con un ritmo ligeramente más acelerado.

Superando con creces la mayoría de las comedias simples para adolescentes, consigue acercarse al terreno de las películas inclasificables marcianadas que se agradecen de vez en cuando.

Un film antibélico diferente del que no mucho más podemos añadir, como un buen viaje, hay que vivirlo, no se puede determinar la calidad de la experiencia, para algunos buena, para otros, mala.

Lo mejor: El reparto de fiesteros, caraduras y buenos profesionales que han dado vida a semejante locura.
Lo peor: Que no sepa mantener el ritmo y se diluya un poco.

Por eso hoy queremos recordar a esa actriz de aspecto frágil y la fuerza de un elefante ante la cámara. Uno de sus clásicos: “Desayuno con diamantes”

La primera imagen y que se nos quedará grabada para los restos, es la de una mujer delgada y elegante vestida con un traje de Givenchy que baja de un taxi con un croissant y un café en la mano, para pararse frente al escaparate de Tiffany´s en Nueva York.

Búsqueda incesante de la felicidad

A partir de ese momento comenzamos a conocer la historia de Holly Golightly (que es el nombre de la mujer que interpreta Audrey Hepburn) una criatura desenfadada que se mueve radiantemente de fiesta en fiesta.

Sin embargo ese ritmo de vida será puesto en tela de juicio por su nuevo vecino, un atractivo escritor Paul Varjak (interpretado por George Peppard), de quien no podrá evitar acabar enamorándose.

Una comedia romántica que tiene su origen y adaptación en la popular novela de Truman Capote “Breakfast in Tiffany’s”, la cual se mueve alrededor de dos personajes inadaptados, cada uno a su manera y atrapados por el falso ambiente en el que se ven inmersos y que se produce en el interior de la Gran Manzana, descrito con tacto sofisticado, elegante y reflexivo por Blake Edwards en una de las que se considera como una de sus películas más memorables, especialmente en sus rasgos más sentimentales, agrandados por la excelente partitura de Henry Mancini y el impresionante tema que se convierte en uno más de los personajes “Moon River”, co-escrita por Mancini y Johnny Mercer.

Belleza y glamour

Lo más importante de esta película, además de su ácida crítica a la alta sociedad neoyorquina, es la representación de la figura de la “alegre” Holly, superficial y frívola pero a la vez amarga en su pertinaz búsqueda de la felicidad completa, irreprochablemente interpretada por Audrey Hepburn, quien fue vestida de inmejorable forma por la firma Givenchy.

En la película también aparece Mickey Rooney como el irascible vecino japonés al que la joven Holly consigue sacar de sus casillas en más de una ocasión. Un clásico del cine que habla de un tema que sigue siendo actual, pero que además muestra una belleza y un tratamiento como pocas.

Los musicales siempre han llenado teatros en Estados Unidos; si la meca del cine es Hollywood, la de los escenarios de tablas de madera es Broadway, a donde también aspiran a llegar los que se dedican a la actuación. Un género tan clásico que fue dado de lado durante casi veinte años por las productoras hasta que despertó de su letargo para volver a hacer saltar las cajas de caudales de los cines.

Los dorados años 50

Los años 50 fueron la primera época dorada del musical en el cine. Personajes de la talla de Gene Kelly eran los actores más reconocidos, y sus películas se contaban por éxitos de taquilla. De esta época nos quedan clásicos, como “Leven Anclas”, en la que aparecía un joven Frank Sinatra y que por primera vez juntaba la animación con la imagen real en una película; “Bailando bajo la lluvia”, en la que el propio Kelly realizaba un baile mientras le caía un chaparrón y cantaba la conocida canción chapoteando por las aceras. O “Siete novias para siete hermanos”, una película coral donde bailaban hasta construyendo un granero.

También de esta época destaca “My fair lady”, la película basada en el mito del Pygmalion, en la que Audrey Hepburn conquistaba a medio mundo mientras su leyenda escribía sus primeras palabras. Ya en los 60, la gran historia de amor por antonomasia, “West Side History”, la batalla de barrio ente americanos y portorriqueños, y una habitual de las televisiones en vacaciones, “Sonrisas y lágrimas” con su “do es trato de varón…”.

Todo lo que baja, tiene que subir

Los setenta y los ochenta fueron menos prolíficos, o por lo menos no fueron creadores de películas para el recuerdo como las de años anteriores. Aún así, nos quedará siempre la gomina de Travolta bailando alrededor de Olivia Newton John en “Grease” o Liza Minelli maquillada y haciendo que la vida fuese un auténtico “Cabaret”.

La crisis que sufrió a partir de esos años se vio superada con el renacimiento del género. Para eso, tuvo que llegar un destello de color, movimiento, música y baile en la persona de “Moulin Rouge”. Era el año 2001 y Ewan McGregor y Nicole Kidman se enamoraban al ritmo de las versiones de las canciones más conocidas por el público en el París de finales del siglo XIX y principios del XX. Después del éxito, McGregor lo intentó con “Abajo con el amor”, pero no tuvo el mismo éxito haciendo pareja con Renée Zellweger.

La actriz estadounidense también venía de triunfar en uno de los musicales más aclamados de los últimos tiempos, “Chicago”, donde compartía cartel con Richard Gere y Catherine Zeta-Jones. La película fue todo un éxito y se llevó seis Oscars de la Academia, el de Mejor Película incluido.

Son muchos los que han encontrado aquí una excusa perfecta para tirar por tierra, una vez más, el cine español.

Pero ¿por qué nos empeñamos en esconder bajo la alfombra sucesos que tienen la posibilidad de repetirse y que forman parte de nuestra cultura?

No podemos contestar a esta pregunta, y aunque así fuera, preferimos que cada uno saque sus propias conclusiones al respecto.

Si nos fijamos bien, el porcentaje de películas que hablan sobre la guerra civil o el régimen franquista, es infinitamente inferior a la cantidad de largometrajes que llevamos consumiendo sobre Vietnam.

¿Qué diferencia hay? En nuestra opinión, poca. Los norteamericanos encontraron un filón cinematográfico en la guerra de Vietnam y a pesar de su fracaso, se empeñan en mostrar al mundo la cantidad de esfuerzos que realizaron y los héroes que quedaron por el camino.

Heridas recientes

La diferencia que existe entre ambas es clara: las norteamericanas realizan la función propagandística propia de una situación de conflicto. Vietnam acabó, pero se sigue teniendo la necesidad de demostrar que el pueblo norteamericano salió como ganador moral de la guerra a pesar de haberla perdido; las españolas por otra parte están basadas en hechos reales o son adaptaciones de libros de éxito.

Entonces ¿de dónde surgen las críticas? La explicación es sencilla. Mientras que en la guerra de Vietnam el enfrentamiento se realizó entre países diferentes, la única versión que ofrecen las películas es aceptada casi en su totalidad por el pueblo norteamericano y europeo en general. Sin embargo, las películas sobre la guerra civil siguen levantando ampollas, no en vano el enfrentamiento que se produjo en nuestro país fue entre compatriotas. A esto podemos unir el efecto de  “la transición”, que consiguió pasar por encima de las rencillas y el dolor de ambos bandos para mirar hacia delante y crear una España sin grietas.

Desgraciadamente esto será complicado por el momento, todavía quedan supervivientes de la época, personas que acuden al cine a ver Las 13 rosas y cantan a coro el Cara al sol, a la vez que dos butacas más atrás una mujer inunda la sala con sollozos  mientras niega con la cabeza –imagen totalmente verídica sucedida en la proyección de la película en  el Palacio de la Prensa de Madrid–.

Aún nos queda mucho para crear películas de nuestro particular Vietnam.

El realizador, premiado por su documental Bucarest, la memoria perdida, había dejado la estatuilla en el guardarropa de un local madrileño al que acudió junto a los premiados en la vigésimo tercera edición de los Goya.

Nocturnidad y alevosía

El disgusto de Albert Solé fue descomunal, algo bastante lógico por otra parte, si tenemos en cuenta que, además, la estatuilla tenía un valor sentimental importante para el director, que basa el grueso de la historia en la enfermedad que sufre su padre, el ex político Jordi Solé Tura.

Todo el mundo se echó las manos a la cabeza ya que el premio es una obra única realizada por artesanos y que tiene un precio que oscila entre los 900 y los 2.400 euros.

Secuestro de película

Pero como en las mejores películas la historia ha tenido un final feliz. El diario El mundo revela hoy que fue un crítico de cine en paro el que se llevó el premio de la fiesta, con fines reivindicativos. El método del robo fue sencillo. “Dame mi abrigo y el Goya” asegura el crítico que fueron sus palabras, y que la encargada del ropero se los dio sin más.

El hombre en cuestión no tuvo intención, según ha declarado él mismo, de quedárselo en ningún momento, al entender la terrible situación por la que debería estar pasado Albert Solé

El rescate también fue de película, ya que el “secuestrador” del busto se citó con un periodista del diario en el Templo de Debod, Madrid, para entregarle la estatuilla metida dentro de bolsas de plástico.

La reivindicación del crítico-secuestrador estaba clara: denunciar el sectarismo del cine español, donde tras intentar publicar sus trabajos tuvo que dedicarse a otras actividades ya que según él: “el del cine es un mundo cerrado, lleno de amiguismos, donde es imposible encontrar un puesto de trabajo si no tienes un buen enchufe”.

La noticia ha quedado en una mera anécdota pero, es cierto, que algunas de las manifestaciones de este peculiar ladrón son bastante certeras. ¿Es tal vez el momento de plantearse el motivo real por el que la crisis del cine español perdura en el tiempo?

Por segunda vez, Penélope Cruz ha sido nominada, en este caso como mejor actriz de reparto gracias a la película Viky Cristina Barcelona,  del carismático director Woody Allen.

Hugh Jackman el más sexy

Pero no solamente contará con este aliciente, la ceremonia pretende ser una gran fiesta en la que se incluirán múltiples novedades que no han sido desveladas por el momento.

El principal cambio conocido el pasado mes de diciembre es el del presentador de la gala, que pasa de ser un cómico archiconocido, como había sido la tónica habitual de estos premios, a un actor, Hugh Jackman, considerado como uno de los hombres más atractivos del mundo, según varias revistas.

Las quinielas llevan sonando incluso antes de la aparición de la lista oficial de nominados. Entre las que cuentan con mayores apuestas están: El curioso caso de Benjamin Button, Mi nombre es Harvey Milk o La Duda.

España se quedó fuera

Esta edición además tiene una peculiaridad, las peticiones que han surgido tras la muerte del que ha sido considerado el mejor Jocker de la historia del cine, Heath Ledger, por El Caballero Oscuro, para alzarse con la estatuilla a título póstumo.

Han quedado fuera de las nominaciones películas que parecían imprescindibles, como ha sido el caso de Gomorra, en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

La representante española preseleccionada para el mismo premio, Los Girasoles Ciegos de José Luis Cuerda, tampoco tuvo suerte. Esperamos, al menos, que Penélope Cruz sí pueda traerse al “Tío Oscar” a nuestro país.

La obtención del premio es básica para la promoción a nivel internacional de las películas o los actores, pero no siempre el premio es directamente proporcional a la calidad de las interpretaciones o los largometrajes.

En numerosas ocasiones películas excelentes han quedado fuera a pesar de contar con el favor del público y la crítica. Un claro ejemplo es el caso de la película rumana 4 meses, 3 semanas y 2 días, que se alzó con la Palma de Oro en Cannes, pero que quedó fuera de los Oscar.

Para conocer la lista completa de los nominados de este año podéis acceder al siguiente enlace: http://www.oscar.com/

Difícil de comprender en ocasiones, los largometrajes españoles gozan de una calidad inmejorable, a pesar de que aún se escuchen frases del tipo “A mi es que el cine español no me interesa nada”. Generalmente los que pronuncian estas afirmaciones se quedaron en el cine de Esteso y Pajares –muy respetable, pero lejos de lo que tenemos ahora–.

Este año hemos podido disfrutar de auténticas joyas como Camino, Los Girasoles Ciegos, El juego del ahorcado, Los crímenes de Oxford y un largo etcétera.

Tal vez los espectadores que se niegan a pagar por ver “cine patrio” son gente que no quiere pensar, y el secreto de nuestro cine, es precisamente ese –“Torrentes” a un lado– largometrajes que no dejan indiferente a nadie, que remueven conciencias, pero sobre todo, que consiguen emocionar.

Este año ha triunfado Camino que, polémicas aparte, es una de las películas más hermosas que se han rodado en España en los últimos años. Dura, muy dura, Camino consigue generar una congoja en el espectador como pocas, a la vez que provoca un sentimiento de ternura y ensoñación.

Javier Fesser se arriesgó con Camino, apostó fuerte y ganó. Le llovieron críticas y halagos casi en los mismos porcentajes, sin embargo, el director nunca se dejó influenciar por ninguno de ellos y defendió a capa y espada el verdadero sentido de su historia.

Carme Elías se llevó el premio a la mejor actriz, el más merecido sin duda, volviendo a dejar a la extraordinaria Maribel Verdú compuesta y sin Goya. Y es que no siempre llueve al gusto de todos, aunque en esta ocasión cualquiera de los que haya disfrutado o sufrido con Camino estará de acuerdo en que todas sus nominaciones eran más que merecidas.

Dejando a un lado la superficialidad que suele acompañar a este tipo de galas, resultó especialmente conmovedor la aparición de Jesús Franco recogiendo el Goya de Honor, con un discurso en el que animaba a los jóvenes que sueñan con que sus cortos algún día se conviertan en largos. En el capítulo más reseñable de la gala también debe recogerse la reivindicación de “El Langui” por un mundo sin barreras arquitectónicas al recoger sus dos Goya y especialmente, el momento en el que Nerea Camacho, protagonista de Camino, inundó el Palacio de Congresos con sus inocentes lágrimas de emoción, las mismas con las que llenamos los cines aquellos que nos acercamos para verla en la gran pantalla.

Los que no hayan tenido la oportunidad de verla podrán hacerlo ahora que, tras ganar el premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, será de nuevo protagonista en las multisalas, mal que le pese a muchos.

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